Criptonite: Welcome. This panel will be recorded and subsequently published as a resource. The chat for this panel will be closed to participants to make it easier to follow. In case you require technical help, etc. please let us know now.

Hello, we are Criptonite. Criptonite is a crip-queer theater project from Zurich by Edwin Ramirez and Nina Mühlemann.

Within the Freischwimmen Network, Criptonite is hosting two panels on "Relaxed Performance". Tonight's focus is working accessibly with sound and lighting. We're quite excited about our discussion with Noa Winter and Olivia Hotz, who will be introducing themselves in a moment.

This panel will take place as a hybrid of written and spoken communication, and thus it's a new form for all of us. Nina is typing for Criptonite, Edwin will read aloud. Olivia will type her answers, which Nele will read out loud. Noa will answer verbally. The answers will be typed by Anna, our typist. Our cameras will remain off. We are curious ourselves how this (crip!) panel form will work. We ask for your understanding for unusual speech timing, typing pauses , etc.

The panel will be one hour long. Then there will be a 15-minute break. After that we will have time for questions. The chat will be opened for the closing round but please only for questions or comments. Noa and Olivia have agreed who will answer each question first. Noa will answer first in the final round.

We hope you all enjoy our panel.

Hello Oliva and Noa, we're happy to have you! Would you both briefly introduce yourselves?

Noa Winter: Hello, good evening. I am Noa Winter. I'm one of the two project leaders of the "Making a Difference" project. It's a network of eight institutions in Berlin. And the Sophiensaele is the project's managing partner. The goal of "Making a Difference" is to support disabled, D/deaf, and chronically ill artists and to facilitate their self-determined artistic work. Additionally, I freelance as a curator, dramaturg, and project coordinator. And I speak from a white, queer, disabled, chronically ill perspective.

And I will hand over to Olivia.

Olivia Hotz: Hello and good evening. My name is Olivia Hotz, I am a performance art producer and I'm currently working for the Theaterformen Festival in Braunschweig. I speak from a white, cis-female, disabled, neurodivergent position. I'm glad to be here this evening.

Criptonite: This is Edwin again, for Criptonite. Thank you both. The idea of this panel came to us because a friend of ours has had to leave many performances because the lighting and sound were not accessible for her.

Sound and lighting is only seldom or not at all considered as an aspect of accessibility. Why is it important?

Noa Winter: Noa speaking. You practically gave an answer in the question itself, because it is about accessibility, and with accessibility, we shouldn't be making a difference between so-called "visible" or "invisible" disabilities, and allowing accessibility in terms of having the proper information about lighting and sound. It's especially important for people with "invisible" disabilities, like neuro-divergent or chronically ill people. So, it can be the case that a person has chronic migraines, for example, simply... And their body reacts to strong sensoric stimuli, often to light and sound, and that itself leads to barriers.

Olivia Hotz: Olivia is typing. I will read Olivia's comment aloud. Noa already mentioned all the relevant points. I'd just like to add that people react differently to different stimuli and in theatre often many different stimuli come into play in parallel. So that the sheer amount of stimuli can be overwhelming.

Criptonite: Edwin from Criptonite speaking. You've already mentioned stimuli. What are possible barriers regarding sound and lighting?

Olivia Hotz: I will read Olivia's comment aloud. Anything that over stimulates the senses can be a barrier. Certainly, that includes much of "that which theatre loves". I mean mostly lighting and sound effects: light shows, rapid projections, gun shots, or loud noises, but also rotating stage elements as well as fog.

Such effects are all the more strenuous to endure the less well I can prepare myself for them. If people know beforehand in detail what to expect during the performance, they can prepare accordingly. For me, this means I can bring my ear defenders to the performance.

Noa Winter: Noa speaking. Olivia pretty much covered it. We're mainly talking about light and sound today, but stimulation can also occur at other sensory levels, for example, stage fog, or other smells. Or tactile sensations that come from being touched.

Let's stick with light for a moment. The most well-known example and the only one that there's usually a warning for: stroboscopic lighting. Because it's well-known that it can cause epileptic seizures. Right, and that's usually the only thing for which

there's a warning, even though, like Olivia said, other visual effects other drastic lighting changes, or stark changes in projections can have negative effects on people.

Olivia already mentioned with the example of sound that it is all about communication and preparations. Like, when I know about a performance that it has drastic lighting changes and more importantly even approximately when or for how long, then I can prepare. I wanted to expand on one thing, that I forgot to mention during that first question: One important aspect when we think about barriers and we think about how much lighting and sound can be barriers, it's a bit different than a staircase, for instance, and people with a physical disability who can't go up the stairs. In that case, it's clear well beforehand... It's quite... It's very clearly a barrier because maybe there's no lift but only stairs, and then the stairs themselves prevent a person from attending a show.

But with lighting and sound, I often don't know anything about it. And it's not that lighting or sound on its own physically stops me from entering a performance space. Rather, it's the aftereffects. What we don't pay enough attention to when we talk about accessibility is that accessibility doesn't just mean I cannot access and participate due to some barrier, but it also means that barriers can also be things that mean that afterwards, maybe a few hours, maybe a few days, I have to struggle with from physical aftereffects. And I think that's another point why lighting and sound is just not on people's minds when they think about barriers and accessibility.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thank you. In Switzerland this topic not well highlighted either – ha! In what context have you been involved in working on it?

Olivia Hotz: I'm reading Olivia aloud. Of course I'm interested in the work based on my own experience seeing shows. Often, these were not accessible to me for the reasons mentioned before. In 2021, as Anna Mülter just came on as Artist Director is when I joined the Theaterformen festival team. Where accessibility is a very important topic, and the festival team is constantly dealing with it.

I work in the production department. We coordinate and implement the festival's accessibility offers. This is where I began working more intensively towards providing transparent information for visitors. Along with Noa, I'm responsible for ensuring the audience has as much information as possible about what happens in the show in advance of their visit. This information shouldn't have to be collected via detours

from many different people. Instead, I collect the information, and it's all on the website for anyone to access.

Noa Winter: Noa speaking. I think it's partly out of self-interest, since we're both neuro-divergent people, that we've experienced it: we've been to performances that were not accessible for us. And that's why in our work, we address this topic.

And since 2021, as Olivia said, since 2021 I work together with another disabled colleague, Sophia Neises, for Theaterformen. Sophia and I work for the festival, as external consultants on accessibility and anti-ableism. And that includes that we work with the festival personnel to increase their awareness for these topics. And means we and Theaterformen are trying to specifically expand forms of accessibility. Sophia, as a blind person, mainly works with audio description for blind and visually impaired audiences.

For me, the main concern is Relaxed Performance and in connection with that also issues like alternative seating arrangements, but also making available as much information as possible in advance. On all the performances, regardless of whether they're offered as Relaxed Performances or not. And especially, Olivia and I work very closely together on these issues, and we're primarily responsible for that area. Right, Olivia within the team, and I'm an external consultant and facilitator.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thanks! Could one of you, or both, give us a brief definition of Relaxed Performance? Often, the term is unclear, even amongst theatres that use it.

Noa Winter: Noa speaking. I'll go first maybe. We've run into that problem too. Often there are many different definitions of Relaxed Performance. That's why I would cite the definition as it's given quite transparently on the Theaterformen website, and where you can read for yourself, which is very important because there are so many definitions out there. That is, to clearly communicate what we as a theatre mean by Relaxed Performances or other accessibility offers. And I'm reading from the website.

And it says: A Relaxed Performance is for audiences that benefit from a more relaxed theater and event atmosphere. It aims to welcome viewers who are often excluded from performance spaces.Then there are some examples: like autistic people, people with Tourette’s, learning disabilities or chronic pain. Conventional theatre etiquette is exclusive in many ways towards the disabled or chronically ill, but relaxed etiquette allows people to experience a relaxed atmosphere in order to enjoy a performance. This means, among other things...

Then there are three points that we put together with the team from Theaterformen that we agreed had to be fulfilled in the framework of the festival. And these three points are: Before the show, it will be announced that the performance is relaxed. That means that it's not just written in fine print somewhere upon sale, which can get overlooked, but rather that it's very clearly communicated to everyone again before the curtain goes up that it is a Relaxed Performance, which means among other things, and this is the second point: that noises and movement from the audience are explicitly welcome, saying "welcome" and making understood for the non-disabled audience members, it's extremely important that they are aware from the outset the rule that everyone sits quietly does not apply in this theatre.

And the third and final point is that the auditorium doors remain open in case audience members need to exit and reenter. It's important to do this, because this allows for when the lighting or sound situation of a scene leads to overstimulation for someone that they may leave the room. And that they can come back in when that scene is over or the person no longer feels overwhelmed.

Olivia Hotz: Olivia is typing. I'll read for Olivia. As Noa just mentioned there is no standard rules for Relaxed Performance. And what it means to put on a Relaxed Performance. I can add from the production perspective that it's not just necessary for a team to figure out what they mean by Relaxed Performance and the resources to fulfil these mutually defined conditions. The communication with artists also has to be clear and transparent. In doing so, you often have to do some basic explaining because Relaxed Performance isn't well established in German speaking countries.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thank you. When you at Theaterformen provide information about stimuli in a piece what is your approach?

Noa Winter: Noa speaking. I'd say that we don't have a totally standard process. It's very dependent upon whether the piece is even finished, whether there's a recording, etc. But, basically, we proceed by using all the resources we have. So, for example: if there is a recording, then we watch it, each on our own at our own pace. We take notes. Then we meet up, and we compare notes. And that's where we try to find formulations for people who have not seen the recording that are nevertheless understandable, regarding the sensory stimuli they can expect. And to give all the meaningful information. That's the first step.

Right, and then when the festival is in final preparations we hope that there will be an on-site rehearsal, a run-through. Last year, we had to do that a lot, since there

weren't a lot of recordings, we attended rehearsals. And we took notes there. Right after the rehearsal we would get together and compose a short text that then gets put up online. Do you have anything to add, Olivia?

Olivia Hotz: I'll read aloud for Olivia. Nothing to add about the procedure directly.

Noa Winter: Noa speaking. I have maybe one thing to add: Something that we also do if we can't watch the show live, but only a recording. We find another person, the art director of the festival or another team member, who has seen the performance live, we ask them for hints or we compare notes with them. And we compare our texts against their impressions of the piece, because of course sometimes we cannot see everything on the recording, or sometimes we have direct questions for someone who has seen it live, So, if things are not clear on the recording, there's a sort of consultation process too.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thanks. Olivia, do you want to add to that question or shall we move on?

Olivia Hotz: I'll read aloud for Olivia. We can move on.

Criptonite: Edwin for Criptonite. What are options for artists regarding accessibility in terms of lighting and sound? Either during the creation processor for a piece that already exists?

Olivia Hotz: I'll read aloud for Olivia. We're speaking in general from the perspective of a festival, working temporarily with artists whose pieces already exist. But basically, there are two possibilities. The first is to leave the piece as originally conceived. In that case, the most important thing is to offer information beforehand and on-site. This also means being able to get precise information about the parts that the person themselves defines as critical. Perhaps, I'd like to know more about what happens when and for how long, and if there are cues that tell me when problematic parts begin. In that case, I need a contact person who can answer my questions in as much detail as possible.

Other than that, ear plugs and ear defenders are good tools that theatres can provide for people to protect themselves. A welcoming atmosphere is also crucial, and encouraging people to bring their own tools like headphones or fidget toys.

The second possibility is adaptation. If there's a desire to adapt a piece in a stimulus-sensitive way, one should make an effort to become more aware of barriers themselves. One way is to adapt lighting or sound, such as less intense lighting changes or softer sounds.

But there are no basic guidelines on what makes a show a Relaxed Performance. One recommendation is to take a second look at the effects and use them as selectively as possible. Less is usually more for a low-stimulus performance, but, like I said, there's no guidelines, no "optimal" solution.

Noa Winter: Noa speaking. I just have a few small things to add from my perspective: In the area of "independent theatre", we usually work with the cases or at least theatres more often work with pieces that are already conceived and then made into a Relaxed Performance as an extra offering. And in that case this communication aspect is simply the key, so to say. The best practice is to give as much information as possible.

And I'd like to pick up on what you said about the contact person. No matter how much we train ourselves, we'll never figure out all the potential sensory inputs or triggers for people beforehand and identify them in the pieces. That's why it's so important people know who they can turn to. And that's a type of access I use a lot myself, and for me as a person working in theatre it's sometimes easier for me to get this information than, let's say, a usual audience member who doesn't work in theatre. But even then, it can be really difficult. And when you get sent on a long odyssey to find information then I'm not necessarily more motivated to go to the theatre with so much time investment and so many barriers just in order to get the information.

And regarding the welcoming atmosphere that should be in place, that means also training your personnel. And of course most of all, the admission staff who are there that evening and are in contact with the audience. It's of course super, for example, if the house dramaturge is informed and can communicate with the artists, that's also important. But of course that the theatre staff are aware of it. So that, for example, the artists and the event staff don't react to someone inappropriately who is wearing ear defenders for attending the performance. Rather, all those who come into contact with that person that evening, those who work for the venue, they must know it's simply a question of accessibility too.

And regarding the second possibility of adaptation, I would above all add that it's great if artists and dramaturges learn to be more aware and question the use of theatrical means. Above all it's important to work with experts who have lived experience. And to have one person or ideally several who themselves have experience with Relaxed Performances and who use it as a type of access for themselves on staff, for example, having neuro-divergent or chronically ill people, etc. Having them as paid consultants, also during the creation process from the

beginning on, but also later on as a test audience, to give feedback. Where they can point out things to adapt further. That's simply something that is crucial to every

type of accessibility. That is to work with experts who have lived experience. Because those who need access themselves, they are always the ones who give the best feedback.

Criptonite: Edwin for Criptonite. Thanks. Last question before the break: Can you name some works, theatres or festivals that you find to be particularly good at this? In terms of best practices?

Noa Winter: Noa speaking. First, I'll talk quickly about the work of Battersea Arts Centre, the first relaxed venue, which in tomorrow's talk or rather the other video that will be offered as a resource afterwards, will be discussed in detail. That's why I won't talk too much about it, except to say that it really is...Well, the contact with the Battersea Arts Centre and especially the company Touretteshero was very important to me. Which is what I'm trying to introduce here in Germany. I really did learn very, very much from them. Because, it's very different to read about something in theory than actually being at a place that does it in a practical way. And to experience the concrete implementation on site. And the Centre offers good insights on their website, too.

And a second tip I can offer, that I recently saw and which I thought was really great: There are some great hints about both content notes as well as triggers and sensory inputs for the piece "The Dan Daw Show". Because at each of the various theatres there was a very good presentation. I'll send a link in the chat as an example, and then I'll explain a bit. I can't post it in the chat, actually. Sorry. Gina, could you perhaps post it for me in the chat?

Criptonite: Now it should work. I'll send it now.

Noa Winter: https://homemcr.org/dan-daw-show-content-trigger-warnings/

This is one of the theatre's websites. When you click on the link, you'll see a short intro text then there's a list of triggers, as keywords one after the other. It's basically an overview of all the possible possible triggers. And these can be triggers on a content level but also in the presentation, as well as sensory triggers, like loud sounds. And then if you scroll down, each of the keywords are taken up as headings and then there's more information. Where the different levels are given: For example, are the things simply named by means of language or are they represented on stage? Because that alone can make a difference to some people. Or there's an

explanation of the scene and what happens exactly. What the lighting situation is and so on.

That's an example that I find to be very helpful, because it's a lot of information. But it's presented in a way that is very detailed yet also allows me to scroll down to what's relevant to me, thanks to the keywords. So, for example, if the lighting is what I'm concerned about I can look for the keyword and: "Oh, where should I read more". And lighting is almost at the end of the list. Then I don't even have to read the rest. Rather, I can just scroll down. Right, down to where the lighting is described. And that's an example of something I would like to find more often in this form.

And maybe what I would add to that is "The Dan Daw Show" is also something where before the performance there's a pre-show access session. Anyone with accessibility needs can come one hour before the performance to familiarize themselves with the space or ask someone from the team questions. This is something I've tried elsewhere but with little success, to ask: "Hey, can you tell me: "Is there a cue word so that I know when this signal word comes the flashing lighting will start soon?" So that this possibility is there to talk with someone beforehand and to get used to the space. That is unbelievably helpful. With that, I'll hand it over to Olivia, if you like.

Olivia Hotz: I'll read aloud for Olivia. I'd just like to mention quickly an offer in the German-speaking countries which Sophiensaele realize as a venue. There, they offer on the website below the info about each piece a text on each piece with detailed information on accessibility. As well as – and since we're talking about this the whole time, so obviously: our own work for the Theaterformen festival.

Noa Winter: Yes, these are our only examples, because in German-speaking countries there's not much on offer. But it's precisely these websites that are often a good place to learn. Simply have a look at these various descriptions. That itself can be a good training, for artists themselves or as theatre venues, to become aware of the kinds of information that should be given.

And there are also, for example, checklists in the "Manual on Relaxed Performance" by Diversity Arts Culture, which is the only German resource right now. But even that is a list of examples which is by no means complete. That means taking this list as a basis but then expanding it on your own. That can be very helpful, too, in order to continually build awareness. Which information is important. And then allowing for feedback from the audience or from artists. And then to absorb this feedback, and incorporating it into one's own work.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thanks you very much! We love Dan Daw, Sophiensaele, Anna Mülter, Jess Thom,Battersea Arts Centre and Theaterformen! Thanks. And you of course you, Olivia and Noa! Now, there's a 15 -minute break and then at 7:10 pm a few more questions.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Welcome back. If there are questions from viewers, please post these in the chat.

Edwin again, for Criptonite. We have a question for you. You've spoken a lot about content notes. We keep hearing, often from Non-disabled artists and theatre folks, that things like content warnings or publishing the details of what happens on stages somehow are constraints or spoilers. And with that comes an attitude that Relaxed Performance is boring. How do you deal with that?

Noa Winter: Noa speaking. I would first of all always assume that, because there's so little in the German speaking countries, very few have even seen Relaxed Performances, especially by disabled artists. In view of that, their argument might fall apart, but in order to address the question, I would always say that good art, a good performance is simply not boring just because there is some information given beforehand. That is the strength of art: to surprise us despite maybe knowing something in advance. For example, when beforehand images or trailers are published that tell us a lot about the performance and the setting, costumes, etc. Or even when we have a look at the cast and credits there's often something like “video: name of the video person”. We wouldn’t say: "What a spoiler! There's video in this piece." It's not a surprise then when video is used, it's just self-evident that there's video. And this boring argument only comes up when... on the one hand, a lack of experience, lack of seeing such pieces,or witnessing such performances... But also that many non-disabled artists or organizers understand accessibility to be something purely technical or a question of form, and not as an artistic means. And I think that is precisely what the works of disabled artists show: how exciting accessibility can be when it's not just a post-hoc add-on, but rather as an artistic means. And finally, disabled people are the experts, like with information on accessibility, as much on the level of understanding as the performance being artistically attractive and how the artwork's aesthetic gets formulated. That's what I have to say.

Olivia, would you like to add anything?

Criptonite: I'll read aloud for Olivia. I absolutely agree with Noa! I wonder what bothers people about providing information. We also give plenty of other

information that is relevant for people. No one is bothered by the fact that we say what language a piece is in. People that

don’t need information about triggers or sensory warnings won't necessarily read notices that are labeled as such. If I know that I don't need it, I can simply ignore the info. People who need that information do not have this option. To me it's fundamentally a question of respect, as much as a part of the responsibility of theatres and artists to create access to their work, which makes it necessary to warn people about content or triggers.

Noa Winter: I can agree with that 100%.

I'd also say it's about respect and part of their responsibility, but it's a human right too! Art. 30 of the UN Convention on the Rights of Persons with Disabilities says that disabled people have the right to attend cultural events in accessible formats. Accessible formats also means Relaxed Performance. And the information that people need in order to make a self-determined decision as to whether they will experience barriers when they attend a show. Content notes are part of that, but also information on sound and lighting. I'd again like to stress the point about skimming over information: So, neurotypical brains, i.e. the brains of the majority of society, those of non-neurodivergent people have a very strong filter function. That means they forget information that they don't need. If someone accidentally reads something while buying tickets about light and sound that is not relevant for them, they will simply forget about it most of the time.

I have heard this kind of thing before, that Nina and Edwin are talking about, and it's mostly comments by people that work in theatre, and who are dealing with the issue of accessibility, which is why they read the content notes quite deliberately, because they are trying to learn more about the issue. And since they are reading the website as specialists themselves, which you cannot compare to the average audience, who does not work in theatre, but who come simply to experience the performance. So, average audiences don’t study the information carefully as part of their job, and thus don't pay that much attention. And I have the feeling that the theatre folks are referring to themselves or they are projecting themselves onto the general public. And therefore they make false assumptions or they develop fears that, in my experience, when we look at an average audience it just doesn't match reality at all.

Criptonite: Edwin speaking, for Criptonite. Thank you so much! It's been super exciting! Are there more questions?

It seems not.

Then I'll say we'll stop for now. It has been a lot of information anyway and very thought provoking. Thanks.

Noa Winter: Noa speaking. Thanks very much to you too, Nina and Edwin for the platform, and everyone who helped with organization, etc.to make this panel possible. Nina writes: and everyone who worked with us, Annas, Gina, and Nele.

Olivia Hotz: Thank you to everyone :)

Criptonite: Herzlich willkommen! Dieses Panel wird aufgezeichnet und danach als Ressource veröffentlicht. Der Übersichtlichkeit halber bleibt der Chat während des Panels für Zuhörende geschlossen, falls ihr technische Hilfe etc. benötigt, meldet euch bitte jetzt.

Hallo, wir sind Criptonite. Criptonite ist ein crip-queeres Theaterprojekt aus Zürich von Edwin Ramirez und Nina Mühlemann.

Im Rahmen des Freischwimmen-Netzwerks veranstaltet Criptonite zwei Panels zum Thema „Relaxed Performance“. Heute Abend ist der Schwerpunkt das barrierearme Arbeiten mit Ton und Licht, und wir freuen uns sehr auf die Diskussion mit Noa Winter & Olivia Hotz, die sich gleich selber vorstellen werden.

Dieses Panel findet als Mischform in geschriebener und gesprochener Kommunikation statt, und ist so von der Form her neu für uns alle. Nina tippt für Criptonite, Edwin liest vor. Olivia tippt ihre Antworten, diese werden von Nele vorgelesen. Noa antwortet verbal, die Antworten werden von Anna der Schriftdolmetscherin eingetippt. Unsere Kameras bleiben ausgeschaltet. Wir sind selber gespannt, wie diese (crip!) Form des Panels funktionieren wird, und bitten um Verständnis für ungewöhnliche Zeitabläufe, Sprech- und Tipp-Pausen, etc.Das Panel geht 1 Stunde, danach gibt es 15min Pause und danach ist nochmals Zeit für Fragen. In der Schlussrunde ist der Chat geöffnet, aber bitte nutzt ihn nur für Fragen/Kommentare. Noa und Olivia haben sich abgesprochen, wer jeweils zuerst auf eine Frage antwortet. In der Schlussrunde wird Noa jeweils zuerst antworten. Wir wünschen euch ein gutes Panel.

Hallo Olivia und Noa! Wir freuen uns sehr dass ihr hier seid!! Könnt ihr euch beide kurz vorstellen, so wie ihr mögt?

Noa Winter: Hallo, guten Abend. Ich bin Noa Winter. Ich bin ein*e der beiden Projektleiter*innen des Projekts "Making A Difference", das ist ein Netzwerk aus 8 Berliner Institutionen. Die Sophiensaele sind der geschäftsführende Partner des Projekts. Das Projekt "Making A Difference" hat das Ziel behinderte, taube und chronisch kranke Künstler*innen zu fördern und ihnen selbstbestimmtes Arbeiten zu ermöglichen. Außerdem arbeite ich freiberuflich als Kurator*in, Dramaturg*in und Kulturberater*in. Und ich spreche aus einer weißen, queeren, behinderten und chronisch kranken Perspektive. Damit würde ich abgeben an Olivia.

Olivia Hotz: Hallo und guten Abend. Mein Name ist Olivia Hotz, ich bin Produzentin im Bereich Performance Art und arbeite im Moment für das Festival Theaterformen in Braunschweig. Ich spreche aus einer weißen, cisweiblichen, behinderten und neurodivergenten Position. Ich freue mich, heute Abend hier zu sein.

Criptonite: Vielen Dank euch zwei! Die Idee für dieses Panel kam uns, weil eine befreundete Person von uns mehrere Male Theatervorstellungen verlassen musste, weil das Licht oder der Ton nicht barrierefrei war für sie.

Ton und Licht wird häufig nur wenig oder gar nicht als Aspekt von Barrierefreiheit berücksichtigt. Warum ist es wichtig?

Noa Winter: Noa spricht: Ihr habt das fast ja in der Frage beantwortet. Es ist eine Frage von Barrierefreiheit. Bei Barrierefreiheit sollten wir keinen Unterschied machen, ob es um sogenannte sichtbare oder nicht-sichtbare Behinderungen geht. Und Barrierefreiheit im Sinne von Informationen zu haben über Licht oder Ton ist vor allem oft wichtig für Menschen mit nicht-sichtbaren Behinderungen, z.B. für neurodivergente Menschen oder chronische kranke Menschen. Wenn eine Person chronische Migräne hat, z.B., kann der Körper auf starke Reize reagieren im Bereich Ton und Licht, dadurch können Barrieren entstehen.

Olivia Hotz: Olivia tippt. Noa hat bereits alle Punkte genannt, die ich relevant finde. Daher ergänze ich nur, dass Menschen unterschiedlich auf verschiedene Reize reagieren und im Theater in der Regel oft viele unterschiedliche Reize parallel eingesetzt werden, sodass allein die Menge an Reizen durchaus überfordernd sein kann.

Criptonite: Vielen Dank! Ihr habt Reize schon erwähnt. Was sind mögliche Barrieren in Bezug auf Ton und Licht?

Olivia Hotz: Im Prinzip kann alles eine Barriere sein, was Sinne überreizen kann. Sicher ist vieles dabei, was „das Theater liebt“. Damit meine ich jetzt vor allem Licht- und Soundeffekte, also zum Beispiel Lightshows, schnelle Projektionen, Schüsse oder laute Geräusche - aber eben auch die Nutzung von sich drehenden Bühnenelementen oder Nebel.

Die Nutzung solcher Effekte ist umso anstrengender, je weniger gut ich mich darauf vorbereiten kann. Wenn Menschen vor der Vorstellung möglichst detailliert darüber Bescheid wissen, was sie im Theaterraum erwartet, können sie sich entsprechend vorbereiten. Das bedeutet für mich, dass ich beispielsweise Geräuschschutz zur Vorstellung mitbringen kann.

Noa Winter: Noa spricht: Olivia hat schon schon vieles gut umrissen. Wir sprechen heute hauptsächlich über Licht und Ton, aber Reize können auch auf der Ebene von anderen Sinnen stattfinden. Zum Beispiel Geruch, Bühnennebel zum Beispiel, oder auch der Tastsinn, also Berührung kann eine Rolle spielen.

Um bei dem Beispiel Licht zu bleiben: das bekannteste Beispiel ist Stroboskoplicht, oft wird auch nur das angekündigt. Davon ist bekannt, dass es epileptische Anfälle auslösen kann. Oft wird nur das angekündigt auf Lichtebene. Aber wie Olivia schon beschrieben hat, andere visuelle Effekte wie starke Lichtwechsel, Projektionswechsel sich negativ auf Personen auswirken können. Olivia hat auf der Tonebene schon das Beispiel gebracht, dass es viel um Kommunikation und Vorbereitung geht. Wenn ich weiß: es gibt in der Vorstellung starke Lichtwechsel, am besten auch wann und wie lange, dann kann ich mich vorbereiten. Ich wollte noch ergänzen, das hab ich bei der ersten Frage vergessen. Ein wichtiger Aspekt: Wenn wir über Barrieren nachdenken und in wie fern Ton und Licht Barrieren sind, dann ist das anders als mit einer Treppe und Personen, die aufgrund einer körperlichen Behinderung keine Treppe gehen können. Das ist dann schon vorher klar, dann ist sehr klar: Hier gibt es eine Barriere, denn es gibt keinen Aufzug und die Treppe als Barriere hindert am Vorstellungsbesuch.

Aber von Licht- und Tonbarrieren weiß ich vorher nichts, außerdem hindert es mich nicht physisch am Vorstellungsbesuch, sondern eher die Nachwirkungen. Da denken wir bei Barrierefreiheit viel zu selten drüber nach, dass Barrierefreiheit nicht nur bedeutet: weil hier eine Barriere ist, kann ich nicht rein, kann nicht teilnehmen. Sondern Barrieren könne auch bedeuten, dass ich danach tagelang mit körperlichen Nachwirkungen zu kämpfen habe. Daher haben das auch wenige Menschen auf dem Schirm, wenn es um Barrieren und Barrierefreiheit geht.

Criptonite: Vielen Dank. Das Thema ist z.B. hier in der Schweiz sehr unterbeleuchtet (ha!). In welchem Rahmen habt ihr euch mit dem Thema beschäftigt?

Olivia Hotz: Natürlich interessiert mich die Arbeit aus einer starken Erfahrung eigener Vorstellungsbesuche heraus. Diese waren für mich aus den bereits genannten Gründen oft ebenfalls nicht barrierefrei. Ich bin 2021 zum Beginn von Anna Mülters Künstlerischer Leitung zum Team des Festivals Theaterformen dazugestoßen, wo Barrierefreiheit ein sehr wichtiges Thema ist, mit dem sich das Festivalteam kontinuierlich auseinandersetzt. Ich arbeite bei Theaterformen in der Produktionsabteilung. Dort wird sich um die Koordination und Durchführung unterschiedlicher Barrierefreiheitsangebote gekümmert. Dort habe ich intensiver damit begonnen, Arbeit zur transparenten Bereitstellung von Informationen für Zuschauer*innen zu machen. Gemeinsam mit Noa bin ich verantwortlich dafür, dass das Publikum vor dem Theaterbesuch möglichst viele Informationen zum Geschehen auf der Bühne erhalten kann. Diese Information muss nicht über komplizierte Umwege und bei unterschiedlichen Ansprechpersonen eingeholt werden, sondern ich

sammele die Informationen und sie sind über die Website jeder Person zugänglich, die sie benötigt.

Noa Winter: Noa spricht: Das Eigeninteresse für uns beide als neurodivergente Personen, die die Erfahrung gemacht haben, dass wir bei Vorstellungen waren, die nicht barrierefrei waren für uns. Daher haben wir uns in unserer Arbeit mit dem Thema stärker auseinandergesetzt. Wie Olivia geschrieben hat, seit 2021 arbeite auch ich gemeinsam mit einer anderen behinderten Kollegin, Sophia Neises, für Theaterformen zusammen als externe Berater*innen im Bereich Barrierefreiheit und Anti-Ableismus. Dazu gehört, dass wir das Personal, das mit dem Festival zusammenarbeitet für die Themen sensibilisieren und versuchen Formen von Barrierefreiheit auszubauen. Für Sophia, als sehbehinderte Person, geht es vor allem um Audiodeskription für blindes und sehbehindertes Publikum. Bei mir geht es schwerpunktmäßig um Relaxed Performance und um Fragen von alternativen Sitzmöglichkeiten, aber auch die Bereitstellung von möglichst vielen Informationen vorab. Informationen zu allen Stücken, unabhängig davon, ob sie spezifisch als Relaxed Performance angeboten werden oder nicht. Insbesondere zu diesen Fragen arbeiten Olivia und ich sehr eng zusammen. Wir sind dafür hauptverantwortlich, Olivia innerhalb des Teams, ich als externe Beratung und Begleitung.

Criptonite: Vielen Dank. Mag jemand von euch, oder beide, kurz erläutern wie ihr Relaxed Performance definieren würdet? Uns scheint der Begriff ist oft unklar, selbst bei Theatern, die ihn verwenden.

Noa Winter: Noa spricht: ich würde beginnen. Auf das Problem stoßen wir häufig, es gibt viele Definitionen von Relaxed Performance. Ich würde die Definition zitieren, wie sie auf der Website von Theaterformen transparent gemacht wird. Dort ist sie nachzulesen. Das ist wichtig, weil so viele Definitionen kursieren, klar zu kommunizieren was wir als Theater meinen mit Relaxed Performances oder anderen Barrierefreiheitsangeboten.

Dort steht: Eine Relaxed Performance richtet sich an ein Publikum, das von einer entspannteren Veranstaltungs- und Theateratmosphäre profitiert. Relaxed Performances wollen eine Willkommensatmosphäre schaffen für Menschen, die sonst oft ausgeschlossen sind aus Theatervorstellungen, z.B. Autist*innen, Menschen mit Tourette, mit Lernschwierigkeiten oder chronischen Schmerzen. Es geht darum, die konventionelle Theateretikette, die Menschen mit Behinderung oder chronischer Erkrankung an vielen Stellen ausschließt, so anzupassen, dass sie in einer entspannten Atmosphäre eine Theateraufführung erleben können.

Dann stehen dort drei Punkte, auf die wir uns mit dem Team geeinigt haben. Das muss für alle Relaxed Performances erfüllt sein müssen im Rahmen des Festivals: Vor Beginn der Vorstellung wird die Relaxed Performance angekündigt. Das bedeutet, es steht nicht nur im Vorverkauf. Sondern für alle wird deutlich am Anfang kommuniziert: Das ist eine Relaxed Performance. Das bedeutet - Punkt 2 - dass Geräusche und Bewegungen aus dem Publikum ausdrücklich willkommen sind. Das "willkommen" auszusprechen und vor allem für das nicht-behinderte Publikum am Anfang wahrnehmbar zu machen ist wichtig. Um zu sagen: die Regel, dass sich alle still verhalten müssen, ist außer Kraft gesetzt. 3. Punkt: Die Türen bleiben ggf. offen und es ist dem Publikum offen gelassen rauszugehen und zurückzukehren. Das ist wichtig in Bezug auf sensorische Reize. Wenn für eine Person eine Szene zur Überreizung führt, kann die Person den Saal verlassen, aber auch danach zurückkommen, wenn die Szene vorbei ist oder die Person sich nicht mehr überreizt fühlt.

Olivia Hotz: Olivia tippt… Wie Noa bereits erläutert hat, gibt es keine einheitliche Regelung, was eine Relaxed Performance genau ist und was es bedeutet, eine relaxte Performance zu veranstalten. Aus der Produktionssicht kann ich ergänzen, dass es nicht nur der Arbeit bedarf, sich als Team damit zu beschäftigen, was man selbst als relaxed versteht und welche Ressourcen es gibt, diese gemeinsam definierten Bedingungen zu schaffen. Auch mit Künstler*innen bedarf es vorab einer möglichst transparenten und klaren Kommunikation, wobei oft ganz grundsätzliche Erklärungsarbeit geleistet werden muss, da der Begriff Relaxed Performance im deutschsprachigen Raum noch nicht ausreichend etabliert ist.

Criptonite: Vielen Dank. Wenn ihr bei Theaterformen Informationen zu Reizen in einem Stück bereitstellt, was ist eure Vorgehensweise?

Noa Winter: Noa spricht: Ich würde zunächst sagen, es gibt keine einheitliche Vorgangsweise. Das hängt davon ab: Ist das Stück fertig? Gibt es eine Aufzeichnung? Aber grundsätzlich versuchen wir alle Ressourcen zu nutzen, die es gibt. Wenn es Aufzeichnungen gibt, sichten wir die Aufzeichnungen allein im eigenen Tempo, machen uns Notizen. Die vergleichen wir dann und versuchen das so zu formulieren, dass es für Menschen verständlich ist, die die Aufzeichnung nicht gesehen haben. Wir versuchen eine sinnvolle Information in Bezug auf sensorische Reize zu geben. Das ist Schritt 1. Wenn das Festival ansteht, hoffen wir, dass es eine Durchlaufprobe vor Ort gibt. Letztes Jahr gab es wenig Aufzeichnungen, da haben wir uns in den Proben Notizen gemacht. Dann haben wir uns danach zusammengesetzt und einen kurzen Text verfasst. Der wurde auf die Webseite gestellt. Magst du das ergänzen, Olivia?

Olivia Hotz: Nicht zu dem Prozedere direkt.

Criptonite: Heisst das, wir sollen mit der nächsten Frage fortfahren?

Noa Winter: Noa spricht: Vielleicht noch eine Ergänzung von mir. Wenn wir eine Aufführung nicht live gesehen haben, sondern nur die Aufzeichnung, aber eine andere Person aus dem Team, insbesondere die Künstlerische Leitung, dann bitten wir um Hinweise und gleichen unsere Notizen und Texte mit den Eindrücken der Person ab. Auf Aufzeichnung können wir nicht alles erkennen oder wir haben direkte Rückfragen an eine Person, die es live gesehen hat. Es gibt oft einen Rückspracheprozess.

Criptonite: Danke! Olivia möchtest du noch etwas sagen zu der Frage, oder nächste Frage?

Olivia Hotz: Wir können weitermachen.

Criptonite: Was gibt es für Möglichkeiten für Künstler*innen, Stücke barriereärmer zu gestalten in Bezug auf Licht und Ton? Zum einen im Entstehungsprozess, oder bei einem Stück, welches schon existiert?

Olivia Hotz: Wir sprechen generell aus der Perspektive eines Gastspielbetriebs und der temporären Zusammenarbeit mit Künstler*innen, deren Stücke es bereits gibt. Aber grundsätzlich gibt es zwei Möglichkeiten: Die erste ist: Das Stück so lassen, wie es konzipiert wurde. In dem Fall ist wie gesagt die wichtigste Komponente, vorab und vor Ort Informationen über die Inszenierung bereitzustellen. Dazu gehört auch, dass es die Möglichkeit gibt, genauere Informationen zu den für die Person selbst als kritisch definierten Stellen zu bekommen. Vielleicht gibt es Dinge, über die ich genauer wissen möchte, was wann wie lange passiert und ob es Cues gibt, an denen ich erkennen kann, dass die für mich problematische Stelle jetzt beginnt. In dem Fall muss ich eine Ansprechperson haben, an die ich mich wenden kann und die mir die entsprechenden Fragen idealerweise so detailliert wie möglich beantworten kann. Weiterhin sind In Ear-Geräuschschutz bzw. Schallschutzkopfhörer ein gutes Tool, was ein Theater bereitstellen kann, damit Menschen sich vor zu lauten Geräuschen schützen können. Genauso gilt es, eine Willkommensatmosphäre herzustellen und Menschen zu ermutigen, ihre eigenen Hilfsmittel (z.B. Kopfhörer oder Fidget Toys) mitzubringen und zu benutzen. Die zweite Möglichkeit ist: Adaption / Anpassung. Falls es den Wunsch gibt, eine Inszenierung reizsensibel zu adaptieren, sollte am besten eine eigene Sensibilisierungsarbeit für mögliche Barrieren passieren. Es gibt z.B. die Möglichkeit, Licht oder Ton anzupassen, also beispielsweise weichere Lichtwechsel oder leisere Sounds zu benutzen. Aber: Es gibt kein grundsätzliches Regelwerk, was eine Performance relaxter macht. Potenziell ist es natürlich ratsam,

eingesetzte Effekte zu hinterfragen und möglichst gezielt einzusetzen. Für eine reizarme Performance ist weniger generell mehr, aber wie gesagt es gibt kein Regelwerk, daher wohl auch keine „optimale“ Lösung.

Noa Winter: Noa spricht: Ich würde hier aus meiner Perspektive ein paar kleine Dinge ergänzen. Ich glaube, im freien Theaterbereich arbeiten wir, bzw. Häuser, öfter mit schon konzipierten Stücken. Relaxed Performance soll dann ein zusätzliches Angebot sein. Da ist die Kommunikation über Dinge der Schlüssel. Best Practice ist so viele Informationen zugänglich bereitzustellen wie möglich. Auch das Thema der Ansprechperson wollte ich aufgreifen: Egal wie viel wir uns schulen, werden wir nie alle Reize oder Trigger für Personen vorher identifizieren können. Deswegen ist es so wichtig, dass Menschen wissen, an wen sie sich wenden können. Das nutze ich häufig. Das ist manchmal für mich als Person, die im Theaterbereich arbeitet, einfacher an diese Information zu kommen als das gewöhnliche Publikum, das nicht im Theaterbereich arbeitet. Aber auch das ist manchmal schwierig. Wenn ich eine stundenlange Odyssee hinter mir habe, habe ich nicht mehr so viel Lust. Dann waren da schon so viele Barrieren, um die Informationen überhaupt zu erhalten. Zur Willkommensatmosphäre, die hergestellt werden sollte, gehört auch die Schulung des Personals. Das Einlasspersonal, das mit dem Publikum in Kontakt ist. Es ist super, wenn die Dramaturg*innen informiert sind und gute Gespräche mit den Künstler*innen führen, das ist wichtig, aber das Personal muss auch informiert sein. So dass weder seitens der Künstler*innen noch vom Einlasspersonal es eine negative Reaktion oder Ansprache gibt, wenn jemand Schallschutz trägt in der Vorstellung. Allen, die mit der Person in Kontakt kommen, sollten wissen, dabei geht es um Barrierefreiheit. Zur Adaption: Es ist super, sich selbst zu sensibilisieren und den Einsatz von Theatermitteln zu hinterfragen. Es ist aber auch super, mit Expert*innen mit gelebter Erfahrung zu arbeiten, zum Beispiel mit Personen, die Relaxed Performances als barrierefreie Angebote für sich nutzen. Also z.B. neurodivergente Menschen oder chronisch kranke Personen. Als bezahlte Berater*innen im Entstehungsprozess oder als Testpublikum, das Rückmeldung gibt, wenn Dinge angepasst werden müssen. Das ist unerlässlich mit Expert*innen mit gelebter Erfahrung zu arbeiten. Weil die Menschen, die Barrierefreiheitsangebote nutzen, immer das beste Feedback geben werden.

Criptonite: Vielen Dank! Letzte Frage vor der Pause: Gibt es Arbeiten, Theaterhäuser/Festivals oder Künstler*innen, die ihr in diesem Bereich super findet (best practice)?

Noa Winter: Noa spricht: Ich verweise als erstes ganz kurz auf die Arbeit des Battersea Arts Centre. Das wird im morgigen Gespräch und im Video, das im

Nachhinein als Ressource zur Verfügung gestellt wird, näher besprochen. Daher werde ich darauf nicht weiter eingehen, sondern nur sagen: Der Kontakt mit Touretteshero und dem Battersea Arts Centre war für mich sehr wichtig. Da hab ich sehr viel gelernt. Es macht einen Unterschied, ob man theoretisch liest oder die konkrete Umsetzung vor Ort zu erleben. Auch zu merken, wie Dinge umgesetzt werden. Da gibt es gute Einblicke auf ihrer Website. Der zweite Hinweis, ein Beispiel, das mir letztens begegnet ist. Das fand ich toll. Das sind die Hinweise (content notes, sensorische Reize) für das Stück "The Dan Daw Show", weil es auf der Seite der Spielstätte eine gute Darstellung gab. Ich wollte das posten, aber gerade geht es nicht. Gina, kannst du das in dem Chat posten? Das wäre super.

Criptonite: Jetzt sollte es gehen.

Noa Winter: https://homemcr.org/dan-daw-show-content-trigger-warnings/Das ist auf der Seite einer der Spielstätten. Wenn ihr den Link benutzt, seht ihr, es gibt einen kurzen einführenden Text, aber dann erst eine Liste von Triggern, nur Stichworte die untereinander stehen, also eine Übersicht aller möglichen Trigger. Das kann auf einer inhaltlichen Ebene sein, der Darstellung oder sensorische Reize wie „lauter Sound“. Wenn ihr runterscrollt werden die Stichworte aufgegriffen als Überschriften. Dort gibt es weitere Infos: dort wird teilweise unterschieden, wird etwas nur auf sprachlicher Ebene benannt oder auch dargestellt. Das macht für manche Personen einen Unterschied. Oder es wird erklärt, wie die Szene ist beziehungsweise was genau passiert, was die Lichtsituation angeht oder ähnliches. Das finde ich sehr hilfreich: es sind sehr viele Informationen, aber sind sehr detailliert aufbereitet und über die Stichworte komm ich zu dem, was für mich relevant ist. Wenn Licht für mich wichtig ist, kann ich das über die Stichworte finden. Dann muss ich den Rest nicht lesen, sondern kann direkt runterscrollen. Das ist ein Beispiel, das ich in der Form gerne öfter vorfinden würde. Bei der Dan Daw Show gibt es immer eine Stunde vor Vorstellung eine "pre-show access session". Alle Personen, die Barrierefreiheitsbedarf haben oder Fragen haben, können vorher Fragen stellen oder sich mit dem Raum vertraut machen. Das hab ich schon öfter versucht und war oft nicht erfolgreich. Z.B. zu fragen, in welcher Szene oder nach welchem Stichwort kommt das flackernde Licht. Hier wird die Möglichkeit geschaffen, vor jeder Vorstellung mit einer Person ins Gespräch zu kommen und sich mit dem Ort vertraut zu machen, das fand ich hilfreich. Jetzt übergebe ich an Olivia, wenn du magst.

Olivia Hotz: Ich möchte nur kurz auf ein weiteres Angebot im deutschsprachigen Raum verweisen, das die Sophiensaele realisieren als Spielort: Dort gibt es auf der Seite, wo die Info über das Stück ist, einen Text mit ausführlichen Informationen zur

Barrierefreiheit. Sowie - und wir sprechen schon die ganze Zeit darüber, daher ist es vielleicht offensichtlich - unsere eigene Arbeit für das Festival Theaterformen.

Noa Winter: Das sind unsere Beispiele. Im deutschsprachigen Raum gibt es nicht so viel. Aber die Infos auf Webseiten sind ein guter Lernort. Sich diverse Beschreibungen angucken für unterschiedliche Stücke kann ein gutes Training sein als Künstler*in oder Haus, um sich zu sensibilisieren für Informationen, die gegeben werden sollten. Es gibt auch Checklisten, z.B. im Handbuch zu Relaxed Performance von Diversity Arts Culture. Das ist die einzige deutschsprachige Ressource. Aber das ist eine Liste an Beispielen, die nicht vollständig ist. Die kann man in der eigenen Arbeit erweitern. Sich selbst immer weiter zu sensibilisieren: Welche Informationen sind wichtig für Menschen? Und dann Feedback vom Publikum und von Künstler*innen zu ermöglichen und das Feedback aufzunehmen und dann in die eigene Arbeit einfließen zu lassen.

Criptonite: Vielen Dank! We love Dan Daw, Sophiensaele, Anna Mülter, Jess Thom, Battersea Arts Centre und Theaterformen! Und natürlich euch, Olivia und Noa! Jetzt gibt es 15 Minuten Pause und dann um 19:20 nochmals ein paar Fragen!

Criptonite: Wieder da.

Noa Winter:

􀖤􀖥􀖦􀖧􀖨􀖩

Criptonite: Olivia, Noa, seid ihr ready?

Noa Winter: Ready.

Olivia Hotz: Ja.

Criptonite: Welcome back! Falls es Fragen gibt von Zuschauenden bitten wir sie, diese in den Chat zu posten.

Wir haben eine Frage an euch: Ihr habt oft von Content Notes etc. gesprochen. Wir hören immer wieder (oft von nichtbehinderten Künstler*innen oder Theatermachenden), dass Dinge wie Content Warnings oder die Publikation von detaillierten Abläufen die Kunst einschränken oder „spoilern“, und damit einhergehend auch die Haltung, dass Relaxed Performance langweiliger ist. Wie geht ihr damit um?

Noa Winter: Noa spricht: Ich würde da erst mal immer vermuten, dass, da es im deutschsprachigen Raum noch nicht so viel gibt, die wenigsten Relaxed Performance von behinderten Künstler*innen gesehen haben. Dann käme dieses Argument weniger oft vor. Gute Kunst, eine gute Performance wird nicht langweilig sein, nur weil es vorab Hinweise gab. Die Stärke von Kunst ist zu überraschen, auch wenn wir vorher Dinge wissen. Es werden ja Bilder oder Trailers veröffentlicht. Die verraten

etwas über die Performance, das Setting oder die Kostüme. Wenn wir uns das Cast & Credits angucken, steht da auch Video: Name der Video-Person. Da wird nicht gesagt: „Das ist ein Spoiler, das ist nicht mehr überraschend dann.“ Das ist ja eine Selbstverständlichkeit. Das Argument kommt aus mangelnder Besuchserfahrung solcher Performances. Auch dadurch, dass viele, insbesondere nichtbehinderte Künstler*innen oder Veranstalter*innen, Barrierefreiheit als etwas rein Technisches oder Formales betrachten, nicht als künstlerisches Mittel. Gerade die Arbeiten behinderter Künstler*innen zeigen aber wie spannend das sein kann, wenn es von Anfang als künstlerisches Mittel betrachtet wird. Auch weil behinderte Menschen die Expert*innen dafür sind, wie Informationen verständlich, aber auch künstlerisch ansprechend und im Sinne der Performance, der Ästhetik der Arbeit formulieren werden können.

Olivia, möchtest du das ergänzen?

Olivia Hotz: Ich schließe mich Noa absolut an! Ich frage mich auch, warum sich Leute daran stören, dass wir informieren. Wir geben ja vorab auch andere Informationen, die für Menschen relevant sind. Keine*r stört sich daran, dass wir darüber sprechen in welcher Sprache ein Theaterstück aufgeführt wird. Menschen, die nicht auf Informationen wie Trigger oder Reizwarnungen angewiesen sind, werden nicht unbedingt Hinweise lesen, die als solche gelabelt sind. Wenn ich weiß, dass ich sie nicht benötige, kann ich sie einfach ignorieren. Diese Möglichkeit haben Personen, die Informationen dazu benötigen, nicht. Für mich ist es ganz grundsätzlich eine Frage von Respekt sowie ein Teil des Auftrags von Theatern und Künstler*innen, Zugänglichkeit für ihre gezeigten Arbeiten zu schaffen, der es notwendig macht, Informationen zu Triggern und Content Warnungen zur Verfügung zu stellen.

Noa Winter: Das kann ich zu 100% unterschreiben. Ich würde hinzufügen: Es ist eine Frage des Respekts, Teil des Auftrags und ein Menschenrecht. In Artikel 30 der UN-Behindertenrechtskonvention steht, dass behinderte Menschen ein Recht haben auf Zugang zu Kulturveranstaltungen in barrierefreien Formaten. Dazu gehören Relaxed Performances und die Informationen, die Menschen brauchen, um eine selbstbestimmte Entscheidung zu treffen, ob sie bei dem Besuch Barrieren erfahren. Dazu gehören Content Notes und Informationen zu Ton und Licht. Auch den Punkt des Überlesens möchte ich stark machen. Gerade neurotypische Gehirne, die der Mehrheitsgesellschaft, der nicht neurodivergenten Menschen, haben eine starke Filterfunktion. Informationen, die sie nicht brauchen, vergessen sie auch wieder. Selbst wenn sie beim Kauf eine Information lesen, die für sie nicht relevant ist, dann wird sie oft vergessen. Ich kenne diese Kommentare auch. Das kommt von vielen Personen, die im Theaterbereich arbeiten und sich gerade mit dem Thema

Barrierefreiheit auseinandersetzen. Sie lesen die Hinweise absichtlich und achten während der Vorstellung darauf, weil sie sich weiterbilden und die Webseite als Fachpublikum lesen und die Vorstellung schauen. Das kann man nicht vergleichen mit dem Durchschnittspublikum, das nur kommt, um eine Vorstellung zu besuchen und die Informationen nicht im Rahmen der Arbeit sorgfältig studiert. Da schließt manchmal das Fachpublikum zu sehr von sich selbst auf das gesamte Publikum. Da werden falsche Vorannahmen gemacht oder Ängste entwickelt, die meiner Erfahrung nach bei dem durchschnittlichen Publikum nicht der Realität entsprechen.

Criptonite: Vielen Dank, es war super spannend mit euch! Gibt es weitere Fragen?

Anscheinend nicht.

Dann würde ich sagen, wir hören jetzt auf, es war eh schon sehr viel an Informationen und Denkanstössen.

Ganz herzlichen Dank, Noa & Olivia!

Noa Winter: Noa spricht: Herzlichen Dank auch an euch, Nina & Edwin für die Plattform.

Und an alle, die durch Organisation, etc. das Panel möglich gemacht haben.

Criptonite: Und natürlich allen, die mitgearbeitet haben - die 2 Annas, Gina und Nele

Olivia Hotz: Ich schließe mich dem Dank an :)

Edwin Ramirez: Hello, we are Criptonite. Criptonite is a queer-crip theatre project from Zurich by Edwin Ramirez and Nina Mühlemann.

This is Edwin speaking. I'm a short, brown-skinned person with a big red afro, and a black beard, I'm wearing a silver septum piercing. And I'm wearing a white and black shirt. My pronouns are they/them.

Nina Mühlemann: And this is Nina speaking. I am a white, short, round person with shoulder-length dark brown hair and some bright blue streaks. I'm wearing a black top with lilac dungarees with a sun and moon print on them. And pink, holographic jellyfish earrings. And I'm sitting-lying on my bed.

What was I going to say? Criptonite, Edwin and I, are organizing this panel as part of the Freischwimmen network. There are two panels we are hosting on the topic of relaxed performance.

The panel today takes about one hour and then there's a 15-minute break. And after that there is an additional 15-20 minutes time for questions. Oh, I forgot to say my pronouns are she/her. And tonight's focus is a discussion of artistic and theatre house perspectives. And we are so excited to have with us Kelsie Acton and Aby Watson, who will now introduce themselves. Also, during the panels, even if we hadn’t discussed this, it would be great if people could always say it's them talking as well. Great, so, welcome Aby and Kelsie.

Aby Watson: Hello, this is Aby talking. Shall I go first, Kelsie? Yeah? Cool.

Hello, Aby talking here: I am a white woman in her early 30s. But I do look a lot younger, and that's not a brag, rather I often get mistaken for a 20-something. So, it's maybe interesting visual information. I've got brunette hair. I've got a fringe and I've got two space-buns on top of my head, clear glasses, white, chunky hoops, a blue denim shirt.

And I'm in my front room in Glasgow,with a white wall behind me, some artwork behind me, which is white with a silhouette with some text that says "soul of neuro-diversity" down it. I think that's a visual description of me.

Shall I introduce my practice, or shall we go to Kelsie's visual description? And then I'll introduce my practice.

Nina Mühlemann: Whichever you prefer. This is Nina speaking.

Aby Watson: Back to Aby speaking, again. I'll pass the mic to you Kelsie.

Kelsie Acton: Hi, thanks Aby, Kelsie here. So, I'm Kelsie Acton, my pronouns are she/her. I'm a white woman, mid-30s. With gold glasses, black ear-defenders, and a lot of very curly brown hair cascading over my shoulders.

I'm sat in the offices at Battersea Arts Centre. So there's a lot of white wall with beams behind me. Thank you. I'll pass back to Aby then.

Aby Watson: Aby speaking, thanks Kelsie. I forgot to say my pronouns as well, and they are she/they.

So, I'll say a wee bit about myself as an artist and a researcher. So, I am an artist and a researcher. And I work across the context of dance, live art... a little bit of theatre but more the dance, performance art side.

I'm neuro-divergent: I'm dyslexic, dyspraxic, and I have ADHD. I think I also might be autistic as well, but not quite sure... Kelsie is like: Maybe, yes, vibes are there. But I don't know that for sure. So, I'm a neuro-divergent dance artist.

I'm also a researcher too. At the moment, I'm undergoing my PhD project. I've been doing that for 7 long years! And I'm coming towards the end of that. Which is very exciting. And my PhD is called "Disordering Dance". And it's a – get ready for the sticky, methodology chat... It's a neuro-queer, auto-ethnographic, practice-based research methodology. So, I'm using my own lived experience as a neuro-queer-identifying dance artist and making a new body of work in relation to that positionality, but I'm also writing a thesis with that as well. And my thesis is very much investigating neuro-normativity within dance culture, and questioning the positionality of the neuro-divergent mind-body within the neuro-normative dance culture in which we make the work. So, that's my PhD.

In terms of myself as an artist: I make performance that is expressive of my neuro-divergent embodiment and corporal reality. So, I'm interested in sensuousness, energy... I'm interested in applying neuro-divergent traits to compositional and choreographic practices and processes.

I'm a passionate advocate for inclusion and equity for neuro-divergent people in the performance sector. I also started the Scottish Neuro-diverse Performance Network.

That was non-linear and all the good stuff, I think that's all I'm gonna say, and I'm going to pass back to Kelsie.

Kelsie Acton: Kelsie here, thank you. I am here primarily with my Battersea Arts Centre hat on. I'm the inclusive practice manager at Battersea Arts Centre, which is

the world's first relaxed venue. I'll talk more about relaxed venues, but it's a methodology developed by Touretteshero and Jess Thom.

I think it's maybe worth saying: I'm a researcher as well. Although, now an independent scholar, as Aby was saying, my PhD was 7 years too. So you can do it. And in that context, I've worked on sort of mapping relaxed performances and the varieties of relaxed performances by disabled artists. And with that, I'll pass back to Nina.

Nina Mühlemann: Here's Nina speaking, thank you both so much for those introductions. You both sound like you do so many exciting things. I'd like to talk about all of them, but we probably won't have time. We'll just have to invite you again for another conversation.

But, so, as a first question: We would like to start with... In our experience, we're based in Switzerland, in our experience, there seems to be a lot of confusion about what relaxed performance actually entails. This seems to be the case, here, even with the theatres that advertise relaxed performance in their programmes, in that these offerings wildly vary from each other.

I'm not going to go into too much detail here, but so: How would you define relaxed performance? And what conditions need to be definitely given for shows to deserve that description?

Aby Watson: I can kick us off, if that's okay? I don't want to step on your toes, Kelsie. It is a difficult one. It is. And we definitely have that problem in Scotland trying to get a universal understanding of what relaxed performance means. And communicating that. Is it even possible? Who knows! That’s a whole other conversation.

But... How would I define relaxed performance? I would say that a relaxed performance is made accessible to people who would be disabled by neuro-normative expectations and conventions within the performance, watching, experiencing, viewing experience.

That can be across different factors. That can be in the theatre itself, the actual act of watching or experiencing the work. If you think about it, there are so many neuro-normative expectations that are the status quo, that aren't even thought of within mainstream work. The idea that you sit down for the duration, that you are quiet, if you have responses that they have to be a laugh or something at the "right time" as everybody else. And there's a certain uniformity that's expected of audience members. But for people who are neuro-divergent or learning disabled those

conventions themselves are disabling, and actually make watching performance unwelcoming. If that makes sense. And inaccessible.

So, relaxed performance is a methodology to make it a more welcoming, inclusive space for reactions and responses. And needs that may diverge from the neuro-normative expectations of a particular type of person.

Maybe you could... well, I don't want to put you on the spot, Kelsie, but I know we could speak more about how performances are relaxed and what that might look like. Can I pass the mic to you? Great.

Kelsie Acton: Thank you, Kelsie here. Please, anyone, Aby or Edwin or Nina, I get very excited about this stuff, so please redirect me if I start going on and on.

Nina Mühlemann: We love excitement.

Kelsie Acton: Right now the way I'm thinking about relaxed performance is... I think, for me, and this is always changing and ever evolving, for me, we need a relaxed attitude to noise and movement from the audience. That can mean welcoming talking, ticking, stimming, pacing about, and an invitation to come and go as you need to.

I think that invitation can be conditional in a very practical way. For instance, I think sometimes there are moments that are particularly vulnerable for performers. Or that present dangers to audiences, depending on spatial configuration. So, I think it's okay to hold audiences re-entering for a little bit.

But I also say often in my job: You can't actually stop anybody from walking out, but what relaxed performance does is offer people invested in your show the opportunity to walk back in.

In addition to that, I see constellations of practical things floating around relaxed performance. Firstly, and I don't think we talk about this enough, a lot of ways to do it focus on financial accessibility, which is great because disabled people are often very broke. especially neuro-divergent folks. So, financial accessibility is a huge part of a number of types of it.

We also have the strand that, at least here in the UK, comes from the Relaxed Performance Project and in the States would come from the Theater Development Fund's Autism-friendly Theater Project where there's an emphasis on changing lighting and sound to make it friendly to folks with sensory sensitivities.

Here in the UK, there's Jess Thom, who I think adds a few brilliant things, Jess doesn't necessarily ask for folks to change lights and sound or content but says: "You need

to tell people at point of sale." So people can make meaningful decisions about how to spend their money. And so they don't have to leave after

5 minutes. Jess also emphasizes having a complaints policy. You have to understand how to react to non-disabled people's feelings about relaxed performance.

And then finally, because I'm originally from Canada, where I'm tracking disabled-led variations on relaxed performance, I see a couple of ideas emerging there. One is a big emphasis on the space. Maybe flexibility of space: the ability to reconfigure the space in ways that are meaningful to audiences members, the ability to lie down, or have soft seating, which is like... Sorry, I'm just making this happy, happy finger sign.

Also, there's this thing out of Canada, which is the acknowledgement that everyone has different sensory preferences. There's this thing happening where... people will create really intense sensory environments, often in conjunction with ASL interpretation, then the next night they will do "sensory adaptive" where the house lights come up, the sound come down, smooth out some of the flashing lights, and so you alternate high-intensity and low-intensity sensory performances to give people a wide range of options. I'll stop, since I've rambled, but thanks for letting me give my taxonomy.

Aby Watson: Aby speaking. Kelsie, it was great to hear you talk about it. I was nodding along, there was so much that was speaking to me there.

I guess there's something you picked up on, and you'll probably say more when you talk about the relaxed venue, something in my own research that's proved an incredibly important aspect of relaxed performance is the venue in which the performance takes place. It's not like the relaxed experience starts at the doors to the auditorium, but everything outside is non-relaxed, no way! That is not a good way to do things.

So, the relaxed shows, the art itself, the experience, you know: people in a room enjoying the work, but there's all the surroundings that need to be relaxed, and inclusive.

Picking up on Jess Thom's work, Tourettesheros' really fantastic 7 principles of relaxed performance, which I would say is kind of the most concrete definition or working methodology for what relaxed performance is. Although Jess and Touretteshero do say that it shouldn't be a tick box exercise that each venue follows and says: "Well, we did all these things, done!" Because each venue is different. Each culture venue has its own contexts, its own workings... And the relaxed method should be as – not as unique, but should be a part of that.

It's challenging, because on one side we need to have this clear, defined understanding of what relaxed performance is across the board, but it still has to be malleable enough to serve the flexibility of audiences that go to these venues that are in themselves not universal.

There was something else: the venue, yes! And the attitudes within that venue. And also the considerations of access within it. Particularly with the people working there. Obviously, front of house has such an important role to play in relaxed performance as mediator – not mediator. Ah... I'm doing this... I'm bringing my hand to and forth away from the camera. The person in between, the in-between, the gap, the bridge...

Edwin Ramirez: Facilitator?

Aby Watson: Yes! Let's use that word. Yes, between the audience and the artwork. They're the ones who can help someone to navigate the venue. Neuro-divergent people are likely to get lost, likely to be overwhelmed in loud crowded places. Obviously, each of us is different, and I won't tar us all with the same brush. But, through my research, it's clear that front of house is really important. And also in terms of the information that needs to also be given to audiences in advance, all that kind of stuff: The communications are very important within the relaxed methodology as well.

So, it's more than just the show itself, and ensuring the show is accessible. It's the whole experience. From booking your ticket and planning your travel to using the toilet in the interval, obviously seeing the show, and then leaving. It's the whole shebang which needs to be relaxed and not just the art.

Edwin Ramirez: Now, you've both kind of touched on how it's venue-dependent. Kelsie, can you tell us more about the Battersea Arts Centre, and its status as the first relaxed venue? How exactly does it work there?

Kelsie Acton: Kelsie here. Thanks, Edwin. I actually like to separate relaxed performances and relaxed venues. Because, in many ways, relaxed performances... As we just talked about, there's many different variations. And I want lots of disabled artists to continue to use that form, and to innovate in it. We can talk more about it, but partly I think many non-disabled folks have been working in relaxed performance in ways that are helpful but also in ways that are unhelpful.

But relaxed venues is a methodology that Jess Thom of Touretteshero developed here at Battersea Arts Centre. And the idea is sort of two-fold. So, broadly, we take the social model of disability and we try and embed it into absolutely everything we do. So, I work with our welcome team, but also our communications team, our social

media and digital accessibility is on par with disabled-led organizations, which I'm quite proud of. I work with communities' and young people's programmings. Not just the performance side of things. So, it's everything at the organization.

The second is that some of the principles from a relaxed performance get embedded throughout everything we do. So, for example, pre-show information: this idea that we should tell people what's going to happen, or that we should give people the option to access the information about what's going to happen if they should choose to. We do that for young people's programming, So, if young people want to come to one of the academies here, they can access information ahead of time about what that programme is like, what they can expect. We're currently developing videos, i.e. familiarization videos, for the building and how to get here, but also for more participatory work. Trying to think what else, yeah, that's good, I'll stop there.

Nina Mühlemann: Thank you so much, Kelsie. And, so, I would like to know from both of you how long you have been working with relaxed performance. And how you got into it, basically.

Aby Watson: Aby speaking. I was introduced to relaxed performance through the work of Jess Thom, I feel like... I was going to say we could do a fun ritual every time Jess Thom's name is mentioned. Let's evoke Jess's energy into the room!

I've been aware of relaxed performance through my PhD research, which is about the positionality of the neuro-divergent dance artist but through that obviously considerations of audience began to be important. Particularly with...

I had this show called "Ish", which is about the in-betweenness and invisibility of the dyspraxic dancing mind-body. And within that show, through doing it loads, I realized that I was actually being really neuro-normative with both my self-expectations and of the audience. There's a part where I get an audience member to come onstage and I give them quick instructions really fast and a time period to do it. And only at the premiere at the Southbank Centre when I'd unknowingly asked another dyspraxic person to do it, and it all fell on its ass, did I notice that I hadn't made this moment accessible for neuro-divergent people! My neuro-normative expectations got put onto my idea of my audience. Then I thought: "That's not cool, let's do a big rework." And that's when I decided to do better.

That's when I started to really think about it and research it.

My first official step into working in a relaxed context was with Jess Thom. I was an associate artist for a collaboration that the National Theatre of Scotland did with Touretteshero at Eden Court called "Hacks for the Future", where we worked for a

group of young neuro-divergent, learning-disabled and disabled folks to create a relaxed performance, and experience. And that was, I think, in

2018 or 2019... What is time? I have no idea!

From there, I said I want to centre neuro-divergent people in my work, and that needs to go beyond the consideration of myself. Like, no, I really need to think about those audiences. So, I started off making a piece which was called "Brute". I've moved on from that now. With that I was thinking... It was a relaxed performance and it worked with these methods that we’ve been speaking about in terms of an open door policy, and permission and invitation to respond naturally, all the kind of bread and butter of relaxed performance. But I was thinking about how it could be relaxed for the performer.

I've spent a lot of my performance career onstage, masking, flapping internally, going: "What's coming next?!" "Oh my god! What's coming next?! Oh-ah-ah." And having anxiety-inducing experiences but pretending I wasn't because I wanted to do a "good job". Which got in the way of my embodiment. That’s part of my thesis.

So, through that work I was thinking about developing a relaxed environment that benefits the audience but also for the performer, that relaxes the whole experience for everyone. That piece then developed into the work I'm making now, which is called "Back and Forth and Forth and Back". Which I call "BFFB" for short, cause that's a really long title.

And it's a relaxed sensory performance. Which explores neuro-divergent sensuality and neuro-divergent joy. And it takes place in this alternative dimension, which is reflected in the installation. It takes place in an installation of music and sound and objects.

And it's called "the Zone", which is a physical manifestation of the place my mind goes to when I zone out. So, it is a dreamy, non-linear space where performances of neuro-divergent embodiment happen. And they emerge. But the whole philosophy of the space is wherever you focus flows is the right place for your focus to go.

So, this idea of the solo-performer as the be-all-and-end-all of the work and needing to focus on them at all times to get it, to experience it but also to be "polite", that's not so much a thing. I offer something as a performer in the same way that this really shiny fabric is offering something and oh isn't it nice! And there's not really a hierarchy. In terms of where their flow and focus is invited to go.

Although, I welcome people watching, I do spend time making my dances. But wherever people's focus goes is totally fantastic. As long as they're getting the most out of that art piece, great, fantastic, knock yourself out.

I'm on a bit of a tangent here. You asked about how I got into relaxed performance, and I talked about my work, which is a separate question.

Edwin Ramirez: It would have been a separate question but it's okay.

Aby Watson: Well, I've got more to say about BFFB, but I'm going to pause it there so I don't dominate the space for too long. And I'll pass the mic to Kelsie. And I think I keep forgetting to say "Aby speaking". Sorry about that, I'll try to remember to say it.

Kelsie Acton: Kelsie speaking. Aby, I'm so happy to hear about your work. So, I don't think you should hold back on that.

But how long have I been working with relaxed performance? I think it came on my radar around 2015. At that point I was living in the very cold prairies of Canada. I was working with an integrated and crip dance company, called "CRIPSiE" that I'd helped found. Nobody was really doing performance access, so we were just trying to make it up and do it. I think we had one of the first ASL-interpreted performances. We were definitely the first audio-described performance I know of. Audio description was a like... We read a bunch of things and tried some stuff out, and we asked the blind friends who came "How was that?"

I remember reading something online about relaxed performances and I got really excited by the idea. So I took a Dance/USA seminar which was like the most ableist thing I have ever sat through. Sorry Dance USA if you're listening. But it was. There was not a single user of relaxed performances in there. It was parents and OTs talking. And I just gritted my teeth through this hour-long seminar. But when I looked at my notes I thought: there's something here. So we took the notes and we just... We made it our own.

So, our stage manager and lighting designer, who's such an incredible artist, also lives with a lot of pain. So we had soft seating. We knew we had families with really young children in the audiences. So we piped video from the theatre into the lobby so the two-year-olds could go run in the lobby, and people could still keep an eye on the performance. And the show.

It wasn't easy. There was a lot of resistance and nervousness from the company initially. Because you have neuro-divergent folks with different approaches to

attention, and I think

there was a lot of questions for everyone about: "Will we feel okay about performing with a lot of stuff going on?" And then we did it. And it was fucking amazing.

And then we got this email that said: I forget the exact wording, but it said: "We have never been out as a family. This is the first time we've ever attended a cultural event as a family. Thank you." And for me that was it. I think a lot about access stretch. I need a better word for "access stretch". That work we do as disabled people to be in space together. Because being together is… life-saving. The most important thing. And after that email, I was like... Focus is challenging for me, but this is access stretch I will do any day of the week for folks. So that's my relaxed performance entry story. Thank you.

Edwin Ramirez: Beautiful, thank you for sharing.

Nina Mühlemann: Edwin, you're on mute!

Edwin Ramirez: Right. Aby, you talked a little bit about it already, but how has constantly working with relaxed performance, and relaxed in general, shape your creative practice from what you did before.

Aby Watson: Yeah, I feel like since I began to centre neuro-divergent people in my work, the creative potentials are just free flowing. I feel like there's so much I'm excited by, which is now possible, which wasn't when I was trying to make work that fit into a very specific viewing experience. And I'm really, really turned on by those potentials. It's really exciting. I can talk through what some of those kind of things are for me and things I've been excited about.

Something I'm playing a lot with with BFFB is creating a space, an environment that is more democratic across the board. So the kind of binaries: audience – performer, doer – viewer, still – mover, like all these really rigid dichotomies that are at play with neuro-normative dance performances. I'm interested in teasing out those tensions and letting it be more fluid. Way more fluid! Who's the performer? Who's the audience? Who is the doer? Who is the viewer? Who is still? Who is silent? I'm really excited about those things being fluid. And I think that's more true of human experience. And also human nature. Rather than just sitting on bums and, you know: I'm excited by the idea of a relaxed space being a more democratic environment.

And that brings more potential for interaction, and dialogue and being actively together as humans. I'm quite excited by that. Like for example in BFFB, there are three distinct different worlds within the Zone. And the first world that we kind of go to, and we transcend to these worlds together through rocking. I invite everybody

to... or at least take an action that feels good, and repeat it. And find that groove. Almost like bringing a stimming moment in for everyone. And from there we "transcend" dramaturgically to a different world. And also within the first world, I'm doing a lot of dancing, but there are active invitations for people to move. There's really good music playing! It would be unfair, I think, to ask people to be still in their seats, Why am I better? Why do I have more of a right to groove along with this juicy bassline? There's something really exciting about, at least within my own practice, I'm not saying this across the board. I'm excited about it as an opportunity to play

with participation, but not like: "I'm an audience member participating in your thing." Rather it being an all-encapsulating space where we're all participating in a thing – you know. And sharing that together. And of course the option to not do that is totally welcome also. Audience agency includes saying no and choosing to sit down and just watch and not be forced into any participation they don't want. Audience agency is letting their focus flow where it wants to go. It's also saying no and sitting down and doing what feels safe and comfortable. Just to put that out there, no one's forced to dance, no way. But the option is there.

I also talked about de-centring the focus on the artist by bringing in the other players in the space: the sounds, the sensory aspects of the space. The sounds and the textures and other things in the space. Not just centring the performer. I'm quite interested in that.

What else was I going to say about this? Because there are two different ways of approaching relaxed performance. I can't remember how you said it, Kelsie, presenting a relaxed iteration of a pre-existing work. A kind of sensory adaption or relaxed adaptation, you maybe said. There's that side of it, which I think people have argued it's kind of a diluting, almost, of an original work made for a neuro-normative audience. Or there's making relaxed performance from the ground up. I am incredibly excited about making relaxed performance from the ground up. Because you get an opportunity to take this methodology and build your work from that. I just feel like that's so exciting.

There's a moment in BFFB where I invite everybody to wear ear defenders. I have this moment where I'm using my outside voice. And I'm doing a lot of really loud shouting. I like how that moment normalizes wearing the ear defenders for everyone. But it also gives a unique sonic experience of this kind of like... it's different, yeah so.

So, there are potentials in the actual art itself when you bring in those access strategies into the dramaturgy, into the choreography. There's so much more that can happen. It bamboozles me why people don't choose to do that, like: "There are

all these ingredients

you can choose to make your work more exciting!" Anyway, that's my own taste.

Is there anything else I want to say ? Probably, but I've forgotten. Yeah, maybe something will pop up. And I'll try and remember it later.

Kelsie Acton: Kelsie here, can I just jump in and pick up something you said?

I love work with access built in. It's like my entire heart, it's exactly what I hoped to be closer to by moving to London. And the thing I've learned working at BAC, which probably many of the artists I work with would disagree, but I'm going to say it: I actually think there's a version of our work as artists where we're not searching for the one perfect version of our art. Where we can see the possibilities and we can say: When I want to integrate BSL, British sign language or another sign language, this is the way the show will shift around that. And that is actually a perfect version of the show. And if I want to have sensory adaptations for those with sensory sensitivities, this is how the show looks and feels and that too is a perfect version of the show.

Aby was talking about democracy. And I think, like... I want to empower audiences but often democracy doesn't just mean one answer. It means many answers with "ands" and "ands" and "ands" built in. End of excited rant.

Aby Watson: Aby speaking. Just something I want to add, Kelsie, I totally agree. 100% holding the flag for the same team. Because a lot of the methodologies for relaxed performance, they're kind of offerings or things you can give to audiences for them to enact on their own choice. For example, you give a... I can't remember what the bag is called... Sometimes you give sensory...

Kelsie Acton: Sensory kits?

Aby Watson: A sensory kit might have some sunglasses, a fan, ear defenders, so that if there are aspects, that audience member themselves has the agency to use that kit to make that more of an accessible experience for them. It's not like everybody's having fans flying in their face, you know? It's giving audience members agency to make the experience what works for them. I feel like that can be applied in so many ways.

There's something about individual agency, and using that within the rules of the space that then allows for a fluidity. That can not only give more creative potentials, but be more accessible and inclusive across the board. You know, like: not just about neuro-divergence, all disabilities! These are things that all of humanity who want to engage in culture and art can benefit from. Individual choice and agency, and that

being a means to... fluididly

- let’s say that's a word - challenge the rigidity of neuro-normative expectations. That's a big point for me.

Nina Mühlemann: Thank you both so much. I could just listen to both of you talking all day, especially the way you geek out about access and the creative potential of access! This is really my happy place, I'm so excited.

Edwin Ramirez: Edwin speaking, I just want to say I'm happy galaxy-braining right now.

Nina Mühlemann: Aby, when we told Kelsie you would be on this panel, Kelsie told us, "I really hope Aby will talk about their research." Particularly, your research with Birds of Paradise Theatrical Company. I was just wondering if you could tell us a little bit about that. Obviously, Kelsie had some kind of insider information about that. But yeah, we want to know!

Aby Watson: Aby speaking here. I'm one of the three researchers working on a research project commissioned by Birds of Paradise Theatre Company which is a crip-led theatre company in Glasgow, Scotland. And the research project is called "House Lights Up". It's investigating... Oh my goodness, what's the full title? Memory, what's that? Ah! Aby looks furiously through notes and stapled bits of paper! "Researching neuro-divergent audiences for relaxed performances in Scotland." So, not the UK but the nation of Scotland. And that research has two strands to it.

One of the strands is the industry side. That's a side that a researcher called Zoe Halliday is looking after. She's speaking with venues and focus groups, and finding out what they know about relaxed performance. If anything! What barriers do they see, feel, and experience as venues in Scotland? What are the barriers? What are they doing? All that stuff.

Then there's the audience side, where I and my co-researcher Thom Scullion, we do a job-share on it. As is useful for neuro-divergent people. So, we do a job-share on the audience side of it. That is focus groups with neuro-divergent and learning-disabled people who, hopefully, had accessed a relaxed performance in Scotland so that we can speak to them about what their experience has been. And also how that can be better.

The project overall had four central aims: The first was to develop a better understanding of relaxed performance. That speaks to what we were saying right at the start: What is relaxed performance and how do venues understand it? A big part of the research is that, developing a better understanding.

Another aim was to evaluate the provision of relaxed performance across Scotland, not including the Fringe! The Edinburgh Fringe Festival is a big part of the Scottish cultural calendar. But that work is coming into Scotland, it's not of Scotland. And there are loads of other ethical considerations around relaxed performance at the Fringe that could be somebody's thesis. So we were like, let's not go there!

Another aim is to investigate how venues can better include and support neuro-divergent audiences.

And the final one is to hopefully instigate some commitment to actioning our recommendations from our findings.

Those are the main aims. A kind of down the line dream scenario that we've been thinking of is potentially building on this research to form a charter. Or some kind of nationally recognized agreement of how we understand relaxed performance, what we want of venues, and what neuro-divergent and learning-disabled audiences need and putting that in one place that can be a knowledge thing that people can... I'm waving my hand inwards... Embed? Yeah. Embed and share. In the cultural practice of the sector. That's the research in a nutshell. And through that research, we have joined and engaged with, Kelsie, please tell me if I'm using the wrong title here: the International Network of Relaxed Performance?

Kelsie Acton: Kelsie here. International Relaxed Performance Network, very close, just some arbitrary word. Just order of words.

Aby Watson: We've been representing the research, Zoe and Thom and I, but also giving a voice for Scotland in this international dialogue. Which has been illuminating. Our research with Birds of Paradise is so heavily informed by a report from Cinémas de France. Sorry to any French speakers in the room for my butchery of that! And also the British Council in Canada wrote a report. That Kelsie will probably remember the title better than I do. And both of those reports were fundamental for us. So, wherever you are and you're looking for some kind of concrete words that you can refer to I definitely recommend those two reports, as they've been influential for our research.

I could speak a little about the findings. It's not published yet, so I can't say too much, but I think I can say a little something here and there. But I'll hold that thought, because there might be a question or Kelsie might have things to add.

Edwin Ramirez: Actually, unfortunately, we're approaching our break. Time flies! But we're going to take a 15-minute break, and then we'll be back with questions from

the audience. We also have a bunch of work that we'd like to discuss with you. And, yeah, can't wait to keep going!

Nina Mühlemann: Nina here. So maybe, Aby, can you quickly finish what you were saying? And we stop it there or we can do it after the break? As you were, like, just getting there.

Aby Watson: Aby here. I guess I was going to offer some of the essential findings. But there's one in particular. Could I fit that in before the break?

Edwin Ramirez: Sure

Aby Watson: If anybody needs to take a break right now, I'm not the authority to say this, but absolutely sense your needs and take a break if you need to.

As part of the industry research, Zoe's been speaking to and evaluating the Access Scottish Theatre guides, which are the guides with all access provisions across Scotland. She's been looking at those figure and put some sexy graphs together. Which have not so sexy conclusions, I have to say. And those findings, yeah, not sexy!

One of the things we found with this research is that the majority, the vast majority of relaxed work on offer for the whole neuro-divergent and learning-disabled community across the whole of the nation of Scotland is pantomimes, which if you don't know are a particularly British phenomenon, family affair, lots of: "He's behind you!" shouting out... Historic... yes. That's apparently my definition of pantomime. Pantomimes, family performances, and children's performances. See a trend here?

Our research has found that these genres of performance are the most prevalent – but pantos, which make up a significant majority of relaxed performances, only happen in the Christmas festive season. So, we have the majority of relaxed performance works happening for family and children audiences in one specific time of the year that is tied to a cultural holiday. I don't even need to talk about how terrible that is.

When we think about, and when it says in law and policy that all humans have the right to culture. And we look at this data which says, yeah, they have the right to culture one time a year. It's shocking and it's abhorrent. And it's incredibly sad.

Another thing it has shown us there are plays and musicals at a significantly lesser rate but there are relaxed works in Scotland across genre. But there is a significant lack of work for neuro-divergent and learning-disabled adults. There's a lot of work for children and families, but not adults. Again, that says something about the state of culture and access in the Scottish nation, which is a general trend elsewhere also.

I think it also says something bigger about how we value those audiences and how we value neuro-divergent and learning-disabled human life and their human right to culture and inclusion. Because those audiences are being absolutely ignored. To the point where, how are they even to know that going to a performance or cultural venue and engaging in creative work is something that they can do? How are they to know that?

And another thing we found in response to our call: "If you're of these groups and have seen a relaxed performance in Scotland, holler at us and get in touch, we want to hear from you!" and it was hard. It was hard to find an amount of people to get together to go: "I have seen a relaxed performance. This is my constructive feedback." A lot of people in focus groups said: "What is a relaxed performance? That would be useful for me. These are the barriers I face when I see performance." Rather than: let's look at relaxed performance, they were just voicing their experience as people experiencing culture. That showed me that neuro-divergent and learning-disabled people, they're not even aware of what they should be having, due to lack of provision. And it's just incredibly sad. Maybe I should have been a little bit more non-biased. A researcher can't be biased, but hey, I'm also a member of the community. I feel my feelings and I feel them strongly.

Those are the big findings we had. Which I think when we report this back to venues and agencies of power within the cultural sector in Scotland we're hoping that they listen and they side with us. And that they don't just comment back: "Oh, everything's so expensive." "How do we do this when nobody's got any money." Which, as you were saying, Kelsie... No, you were talking about financial barriers for neuro-divergent people. But there's also thinking about finance within the sector. They're stating that as a barrier for them. From our research, we know they want to learn and include. But it takes time and time is money. "And we've got a show in two hours, so..." You know? Anyway. That was a bit of a rant. Let's take a break, I think I need it!

Nina Mühlemann: Thank you, Nina here. Let's take a break. We'll meet again in 15 minutes. And then other people can ask questions if they want to, thanks! Everyone seems to agree.

Nina Mühlemann: Hi, this is Nina speaking. Thank you both so much. It's been really fascinating. I feel like I've learned a lot and my brain is doing... You know the emoji with the exploding brain? That one. But in a good way. Aby is doing a lovely gesture.

We do have a question from the audience, from Noa. Noa, would you like us to read this question or do you want to? What's your preference?

Noa Winter: I'm happy to read it but I'm glad I wrote it down before.

Nina Mühlemann: It is very long.

Noa Winter: This is Noa speaking, first thank you so much to both. I'm wiggling with excitement here, which I do off camera. And my question concerns the not so happy but important and often overlooked topic of dealing with complaints. You mentioned it earlier, Kelsie. Can you recommend procedures for dealing with complaints? From my perspective, in Germany and Switzerland, there's a terrible culture of dealing with complaints in general. So any insights on what has worked for you? Or also what did not work at all? That would be very helpful, thank you.

Kelsie Acton: Kelsie here. Maybe I can start us off? There's sort of two spaces in which I've dealt with complaints. One is much easier than the other. When I've been in disabled-led spaces where we have shared values, we can really easily recognize when to... Well, no matter what the complaint you always listen, at least for a little bit. Sometimes its unhealthy to listen a lot, but at least for a little bit. I think in disabled-led spaces where we have shared values, it's really easy to sort through what is constructive and what do we need to learn from and what is... you know, the sort of like... I guess shock and fury of non-disabled people being confronted with the fact that people are different from them.

I've also spent a lot of my career as the connector between disability culture and non-disabled spaces. And that's definitely what I do in my job at BAC. And I think, this is honestly something I struggle with a lot. Because, I think, when people see... When you're in an organization and you see people in distress, you want to rectify the distress, but if this person is distressed by the existence of people with access needs, that's not actually something you can or should rectify. That's maybe something you want to teach members of your welcome team to make sure they have good mental health first-aiding skills, that they can sit and listen to people's feelings, that they understand how to articulate what a relaxed performance is and why you're doing it. But, yeah, that shared understanding and that ability to recognize when is this something where we've messed up, and when is this some ableism? That's often missing in non-disabled or mixed spaces, which makes this really complicated. So, I don't have a good answer, sorry.

Aby Watson: Aby speaking. I don't have any experience of dealing with complaints. But I have experience considering how complaints would be dealt with in the case

that they arise. So, I co-curated a festival, called "Neurostages" with a really fantastic researcher and artist called Rachel Clive on behalf of the Scottish Neurodiverse Performance Network in partnership with the National Theatre of Scotland, the Royal Conservatoire of Scotland, and the Autistic Society of Scotland. And it was a hybrid festival and it was

very important for us that it was a relaxed festival. It wasn't so much me putting out a relaxed work, it was more the whole festival was relaxed as such. Within that we thought about complaints because we were following Jess Thom's principles, like to the letter.

But because it was neuro-divergent-led, and it was very clearly centred on neuro-divergent experience, and it was very clear that that was the topic of discussion, that was the identity of the artists involved, and also the identity and positionality of a lot of the attendees, there wasn't any complaints. No complaints!

But one thing that feels really important. And this is maybe obvious regarding what's been said. In terms of the communications from the venue to the patron, let's call them that, those communications being so clear that they know what they are consenting to. They are consenting to join a space where these things may happen. And these are the rules. Not rules, I don't like that word. These are the agreements, essentially. That we're agreeing to here. So, in terms of how we thought about that: there was a set procedure that we had.

First off, and as I said, within the context of a festival that was small in scale. Not small scale, but, yeah, okay... The context of the festival, we thought... Just us thinking, "What would we do?" The first thing would be to speak to the neuro-divergent people who are holding the event. Not to put the labour on the neuro-divergent people, but it felt important that we could have a conversation where we could reiterate: "These are the festival aims. This is the intended audience. We're really happy that you're here." And reiterate that it's a relaxed festival. "And a relaxed festival means these things. Are those the things you're having an issue with?" And teasing that out through conversation led by the neuro-divergent people.

Then, we were like, if that doesn't work, if we can't rationally meet a kind of level ground of understanding. Like: "Oh, I see, that's not actually for me. I'm going to choose to leave." Or: "Now that you've said that that makes me feel a lot better." We didn't have that.

But if that wouldn't have worked and they were still complaining, because, well, as you were saying, Kelsie, if it was coming up because of neuro-normative ableism from them, like: "I've been disturbed by somebody ticking beside me!" Then that's

when we would get the kind of higher-ups. Like: "National Theatre of Scotland, could you come mediate this

conversation, please?" Because we've tried to communicate the neuro-divergent agency of this festival and find grounding and rationale and we've not found mutual understanding or safe ground. And that's when they would have come over and fallen back on their complaints procedure. And they were putting their procedure within the context of the festival. So, they were going to their more – well, not more rigorous, but they have a complaints procedure in place. So, they would pick that up from there.

But the ground rule was if their complaint is reducing from the relaxed nature of the festival, then we would explicitly say, "Maybe this isn't an experience that is right for you as a spectator and what you would want in this kind of space." I've got no qualms with that, plenty neuro-divergent people get that on the daily! I'm sure there are neuro-normative the people who fit neuro-normative expectations of what is an audience. They can leave on this one occasion. That's okay that they're not included here, if they don't want to be. You know? So, that's my experience of it. But very limited.

And I think once, because BFFB is in development and I've yet to premiere that, and tour it around, but I'm sure when I do there will definitely be... Not that I want to anticipate it, but I'm sure there are more opportunities to expand my experience of dealing with complaints. Yeah, let's put it that way. Because it's also very new for people. It's very new and I can imagine it’s very natural to be challenged. It's challenging! Okay, I'm just repeating myself. Yes, done.

Nina Mühlemann: Thank you, both, so much. I also really liked the practical things you're sharing with us. It feels like it's so practical. Your positive outlook on complaints is great, Aby. I wish that was me. Maybe it can be me.

Are there any more questions from people listening who are not Edwin or me? Because now would be the moment. And otherwise, we still have a couple of questions, but maybe one final question. I feel like it's been long and I'm hungry.

Edwin Ramirez: Can I be selfish and pick one of ours?

Nina Mühlemann: Yes, I was just going to ask you, Edwin, if you wanted to pick one. You decide. Whichever.

Edwin Ramirez: The two final ones are both very good. And I'd be interested in both answers, but I will just pick one.

Nina Mühlemann: Pick one!

Edwin Ramirez: Any tips or suggestions for artists or venues just starting out with relaxed performance in their work? Or maybe they would like to but aren't quite sure how to do that? What would be your pointers?

Aby Watson: Aby speaking. Thanks, Kelsie. My initial thought, which is applicable to... Aby speaking! Did I say that? But hey, it's me!

My initial thought, which applies to both artists and venues, if you're wanting to seriously engage with relaxed work, either making relaxed work or showing relaxed work, is to first off do some reflection and analysis of: Who are you expecting to be there? Who disconsciously, subconsciously, without even naming it, who are you expecting in the room?

Because even though you might think: "Well, whoever comes!" Well, that raises the question: Who knows to come? That process can lead to further questions, which will then allow artists who are making work and also venues who are showing work and trying to engage audiences will hopefully show: What barriers are you then creating? For either within your work or in you venue by who you are expecting to be in the room without even stating that. Or accessing your website. Or engaging with your venue any way, shape, or form! So, yeah, reflect on who you are expecting.

And let that be a critical investigation with where neuro-normativity presents itself within your operations, and your work overall. I'm gonna chuck that nugget in. Now, I'll pass the mic to Kelsie and maybe say something after.

Kelsie Acton: Thanks, Aby. Kelsie speaking. I have a couple of thoughts. Actually, maybe they're the same thought. I'd like to jokingly say you should get disabled friends. We are cool, firstly. But, by that I mean... Where are the relationships with disabled people in your life? Where are the relationships with disabled culture? Because that's not always totally the same thing. But all of this will be a lot easier if you have disabled people in your life who love you and would come to give you some advice. The continuation of that is if you are a venue, you need to be programming disabled artists. Or creating work that is grounded in disability culture in integrated access...

I'm going to mangle this, but John Lee Clark is this incredible deafblind poet, and he wrote this piece a year ago, called "Against Access", and in it he asks: Why are we always invited into your world? Why are you never invited into ours? And when you think about it there's not a whole lot of reason...

There are many reasons most disabled people have non-disabled people in their life. But it's somehow arrogant to ask disabled people to get excited by non-disabled

culture. So you should be programming disability culture. And that's how you get audiences and feedback, and relationships and grow. End of rant. I'll pass back to Aby with that.

Aby Watson: Aby speaking. I think that's a really good point. The other thing I was going to offer is an expansion of that. I was going to say engaging with learning-disabled and neuro-divergent communities, and that is very similar to what you said about disabled friends.

But in regards to both venues and artists... Like when I was making BFFB, as part of that process I got together a group of such people and held a workshop in the middle of the process. I want to try some ideas out and have a play, but also create a space where I know how it feels to have this environment in the room. You know what I mean? It's important to have direct engagement with the people you are trying to reach, and to listen to them and sense their experiences. And to then shape your actions from what they need and want. And also what they're giving you. But that's just an expansion of what you said, Kelsie. Kind of reinventing the wheel a little there. But yeah, that's the other thing I'd like to say.

Nina Mühlemann: Thank you both so much. Kelsie, I did the loudest cackle when you said, "You should get some disabled friends"! Yeah, I was really living for that.

This is Nina speaking. Thank you both so much, it's been amazing.

Kelsie Acton: Kelsie here, thank you. My heart is so full. And I've learned so much from everyone.

Aby Watson: Aby speaking. I second that. It's been a real joy to be in this space talking about getting disabled friends and spending time in crip-centred spaces. It's been really joyful to have this discussion. And also it's felt like I can be myself and nice and safe. And all the good things I feel when I'm with fellow crips, so: Thank you very much, folks!

Edwin Ramirez: Yeah, Edwin speaking. I'm going to reiterate what was said. I love getting to geek out about access and really thinking about it. And getting to realize how much more cool stuff there is to do, how many more cool people there are to get to know, and the magic that happens when we sit together and talk! Thanks so much to you both!

Edwin Ramirez: Hallo, wir sind Criptonite. Criptonite ist ein queer-crip Theaterprojekt aus Zürich von Edwin Ramirez und Nina Mühlemann.

Hier spricht Edwin. Ich bin klein und habe eine braune Hautfarbe, einen großen, roten Afro und einen schwarzen Bart. Ich habe ein silbernes Septum-Piercing. Und ich trage ein schwarz-weißes Shirt. Meine Pronomen im Englischen sind they/them.

Nina Mühlemann: Jetzt spricht Nina. Ich bin eine weiße, kleine und rundliche Person mit schulterlangen, dunkelbraunen Haaren und ein paar hellblauen Strähnen. Ich trage ein schwarzes Oberteil und eine fliederfarbene Latzhose mit Sonne- und Mondmotiven. Ich trage pinke, holografische Quallenohrringe. Ich sitze-liege auf meinem Bett.

Was wollte ich sagen? Criptonite, also Edwin und ich organisieren dieses Panel als Teil des Freischwimmen-Netzwerks. Wir veranstalten zwei Panels zum Thema Relaxed Performance.

Das Panel heute dauert eine Stunde. Danach gibt es 15 Minuten Pause. Danach ist noch einmal 15 bis 20 Minuten Zeit für Fragen. Ich habe vergessen meine Pronomen zu nennen: sie/ihr. Im Fokus heute Abend steht eine Diskussion über Perspektiven von Künstler*innen und Theaterhäusern. Wir freuen uns sehr, dass Kelsie Acton und Aby Watson bei uns sind. Sie stellen sich nun selbst vor. Was wir noch nicht besprochen hatten: Es wäre toll, wenn ihr immer sagt, wer gerade spricht. Perfekt. Willkommen Aby und Kelsie.

Aby Watson: Hallo, es spricht Aby. Soll ich anfangen, Kelsie? Ja? Cool.

Hallo, es spricht Aby. Ich bin eine weiße Frau Anfang 30. Ich sehe aber etwas jünger aus. Damit will ich nicht angeben. Ich werde oft auf Anfang 20 geschätzt. Das ist vielleicht interessant als visuelle Information. Ich habe braune Haare. Ich habe einen Pony und die Haare zu zwei Knoten auf meinem Kopf gebunden, eine durchsichtige Brille, große weiße Ohrringe, ein blaues Jeanshemd.

Ich bin in meinem Wohnzimmer in Glasgow. Hinter mir ist eine weiße Wand, an der ein weißes Bild mit einer Silhouette hängt. Darauf steht der Text: "Soul of neuro-diversity". Das ist meine visuelle Beschreibung.

Soll ich meine Arbeit vorstellen oder soll sich erst Kelsie beschreiben? Und ich stelle danach meine Arbeit vor?

Nina Mühlemann: Was dir lieber ist. Hier spricht Nina.

Aby Watson: Es spricht wieder Aby. Dann gebe ich weiter an dich, Kelsie.

Kelsie Acton: Hallo! Danke Aby. Es spricht Kelsie. Ich bin Kelsie Acton. Meine Pronomen sind sie/ihr. Ich bin eine weiße Frau Mitte 30, mit einer goldfarbenen Brille, schwarzen Kopfhörern und sehr viel sehr lockigem Haar, das mir über die Schultern fällt.

Ich sitze in einem Büro im Battersea Arts Centre. Hinter mir ist eine weiße Wand mit Balken. Danke. Ich gebe wieder an dich, Aby.

Aby Watson: Es spricht Aby, danke Kelsie. Ich habe auch vergessen meine Pronomen zu nennen: sie/they.

Ich sage ein wenig über mich als Künstler*in und Forscher*in. Ich bin Künstler*in und Forscher*in. Ich arbeite im Bereich Tanz, Live Art, ... Manchmal auch Theater, aber da eher im Bereich Tanz und Performance.

Ich bin neurodivergent: Ich habe Dyslexie, Dyspraxie und ADHD. Ich glaube, dass ich autistisch sein könnte. Da bin ich nicht sicher. Kelsie so: Ja, es kommt ein bisschen so rüber. Aber ich weiß es nicht sicher. Also, ich bin ein*e neurodivergent*e Tänzer*in.

Ich forsche auch. Zur Zeit arbeite ich an meinen PhD-Projekt. Das mache ich seit sieben langen Jahren! Ich nähere mich dem Ende. Das freut mich sehr. Meine Arbeit heißt "Disordering Dance". Es ist – macht euch bereit für trockene Methodik... Es ist eine neuroqueere, autoethnografischeund praxisbasierte Methodik. Ich nutze meine eigene gelebte Erfahrungals Tänzer*in, die sich als neuroqueer identifiziert und erschaffe künstlerische Arbeiten in Bezug zu dieser Positionierung. Aber ich schreibe damit auch die Dissertation. In meiner Arbeit untersuche ich die Neuronormativität innerhalb der Tanzkultur. Ich analysiere die Perspektive des neurodivergenten Geistes/Körpers: in der neuronormativen Tanzkultur, innerhalb derer wir arbeiten. Das ist mein PhD-Projekt.

Was mich als Künstler*in angeht: Ich mache Performances, die meine neurodivergente Körperlichkeit und meine körperliche Realität ausdrücken. Ich interessiere mich für Sinnlichkeit, Energie... Ich möchte neurodivergente Aspekte auf kompositionelle und choreografische Praktiken und Prozesse anwenden.

Ich setze mich stark für Inklusion ein. Für die Gleichstellung neurodivergenter Personen in den Darstellenden Künsten. Ich habe das schottische, neurodiverse Performance-Netzwerk gegründet.

Das waren die guten Sachen, ein bisschen durcheinander. Soweit erst einmal von mir. Ich gebe weiter an Kelsie.

Kelsie Acton: Kelsie hier, danke. Ich repräsentiere hier vor allem das Battersea Arts Centre. Ich bin Managerin für inklusive Praxis am Battersea Arts Centre. Es ist die erste relaxte Spielstätte der Welt. Ich sage später mehr über relaxte Spielstätten. Es ist eine Methode, die Touretteshero und Jess Thom entwickelten.

Ich sollte erwähnen, dass ich auch forsche. Zur Zeit forsche ich unabhängig. Aby, ich habe auch sieben Jahre gebraucht. Du schaffst das. Für meinen PhD habe ich die RELAXED PERFORMANCE-Landschaft dargestellt und die verschiedenen Formen von Relaxed Performances. Relaxed Performances von behinderten Künstler*innen. Damit gebe ich zurück an Nina.

Nina Mühlemann: Es spricht Nina. Danke an euch beide für die Vorstellung. Es klingt, als würdet ihr beide viele aufregende Dinge machen. Ich würde gern über alles sprechen, aber dafür haben wir keine Zeit. Wir sollten euch noch einmal einladen für ein weiteres Gespräch.

Also die erste Frage: Wir würden gern beginnen... Unserer Erfahrung nach... Wir sind in der Schweiz. Unserer Erfahrung nach herrscht große Verwirrung darüber, was eine Relaxed Performance eigentlich ausmacht. Das ist hier sogar der Fall mit Theatern, die in ihrem Programm mit Relaxed Performances werben. Es kann also jedes Mal etwas anderes bedeuten.

Ich gehe nicht weiter ins Detail, aber: Wie würdet ihr Relaxed Performance definieren? Welche Bedingungen müssen zwingend erfüllt sein, damit Vorstellungen so genannt werden dürfen?

Aby Watson: Ich kann anfangen, wenn das okay ist? Ich will mich nicht vordrängen, Kelsie. Es ist schwierig. Das Problem haben wir in Schottland auch. Der Versuch eines universellen Verständnisses darüber, was Relaxed Performance bedeutet. Und das zu kommunizieren. Ist das überhaupt möglich? Wer weiß! Das wär ein anderes Thema.

Aber... Wie würde ich Relaxed Performance definieren? Ich würde sagen, eine Relaxed Performance schafft Barrierefreiheit für Menschen, die sonst behindert würden von neuronormativen Erwartungen und Konventionen innerhalb der Performance. Beim Sehen und Erleben der Performance.

Das kann verschiedene Aspekte betreffen. Es kann im Theater selbst sein, beim Zuschauen oder Erleben einer Arbeit. Es gibt so viele neuronormative Erwartungen, die einfach als Status Quo vorausgesetzt werden, die innerhalb des Mainstreams nicht einmal mitgedacht werden. Dass man für die Dauer der Vorstellung ruhig sitzen bleibt. Als Reaktion ist nur Lachen vorgesehen. Aber zur richtigen Zeit, wie alle anderen. Es wird vom Publikum eine gewisse Einheitlichkeit erwartet. Für

neurodivergente oder lernbehinderte Menschen können diese Konventionen selbst behindernd sein. Und dafür sorgen, sich bei einer Performance willkommen zu fühlen. Macht das Sinn? Sie ist dann nicht zugänglich. Relaxed Performance ist eine Methode, wie Performances einladender und inklusiver sein können, für verschiedenen Reaktionen. Und Bedürfnissen gegenüber, die von neuronormativen Vorstellungen von einem bestimmten Typ Mensch abweichen.

Vielleicht kannst du... Ich will dich nicht überrumpeln, Kelsie. Aber es gibt noch viel dazu zu sagen, wie Performances relaxt sein können und wie das aussehen kann. Kann ich dafür an dich übergeben?

Kelsie Acton: Danke, jetzt spricht Kelsie. Bitte, Aby, Edwin oder Nina: Das Thema begeistert mich sehr. Bitte sagt mir also, falls ich zu viel rede.

Nina Mühlemann: Wir lieben Begeisterung.

Kelsie Acton: Mein Denken über Relaxed Performances verändert und entwickelt sich immer weiter. Es braucht eine entspannte Haltung zu Geräuschen und Bewegung vom Publikum. Das heißt etwa Sprechen, Ticks, Stimming und Umherlaufen willkommen zu heißen. Freizustellen, jederzeit rauszugehen und wiederzukommen.

Das kann, praktisch betrachtet, bestimmten Bedingungen unterliegen. Zum Beispiel glaube ich, dass es Momente gibt, in denen Performer*innen besonders verwundbar sind oder die aufgrund der Raumgestaltung für das Publikum gefährlich sein können. Daher ist es manchmal okay, den Wiedereinlass zu verzögern.

Ich sage aber auch oft bei meiner Arbeit: Du kannst keiner Person verbieten rauszugehen. Aber in Relaxed Performances können Menschen wieder reinkommen, wenn sie das wollen.

Zusätzlich dazu sehe ich eine Reihe weiterer praktischer Aspekte, die für Relaxed Performances im Raum schweben. Erstens, und darüber reden wir nicht genug, finde ich: Ein wichtiger Punkt ist der Fokus auf finanzielle Zugänglichkeit. Das ist super, denn behinderte Personen haben oft kein Geld. Vor allem neurodivergente Personen. Der Abbau finanzieller Barrieren ist also ein sehr wichtiger Aspekt.

Es gibt noch einen anderen Ansatz hier in Großbritannien. Er kommt aus dem Relaxed Performance Project. Und in den USA vom Theater Development Fund und seinen Autismus-freundlichen Theaterprojekten. Da liegt der Schwerpunkt darauf, Licht und Sound für reizsensible Menschen anzupassen.

In Großbritannien ist Jess Thom, die ein paar geniale Dinge einbringt. Jess bittet nicht unbedingt darum, Licht, Sound oder Inhalt zu verändern. Sie sagt: "Ihr müsst es den Leuten beim Ticketkauf sagen." Dann können sie sinnvoll entscheiden, wofür sie ihr Geld ausgeben. Und müssen nicht nach fünf Minuten gehen. Jess betont auch, dass der Umgang mit Beschwerden geregelt sein muss. Es muss klar sein, wie auf Beschwerden von nichtbehinderten Personen zu Relaxed Performances reagiert wird.

Ein letzter Punkt, denn ich komme aus Kanada, und verfolge dort Relaxed Performances von behinderten Künstler*innen. Da entstehen eine Reihe von Ideen. Ein großer Schwerpunkt liegt auf dem Raum. Die Flexibilität des Raumes. Die Möglichkeit, den Raum auf eine Art neu auszurichten die für das Publikum sinnvoll ist. Mit der Möglichkeit sich hinzulegen. Weiche Sitzmöglichkeiten zu haben... Ich mache eine freudige Geste mit meinen Fingern.

Aus Kanada kommt auch die Anerkennung, dass alle Menschen unterschiedliche sensorische Vorlieben haben. Es passiert, dass Menschen sehr intensive sensorische Räume schaffen, oft mit Verdolmetschung in ASL (US-amerikanische Gebärdensprache), die sie dann am nächsten Abend sensorisch anpassen, also das Licht im Publikum heller und den Sound leiser machen und ein paar blitzende Lichter abschwächen. Sensorisch mehr oder weniger intensive Vorstellungen wechseln sich also ab. Damit Menschen mehr Optionen haben. Aber ich schweife aus. Danke, dass ich meine Einordnung präsentieren durfte.

Aby Watson: Aby spricht. Kelsie, es war super, dir zuzuhören. Ich habe die ganze Zeit genickt. So viel davon hat mich angesprochen.

Du hast eine Sache aufgegriffen, über die du sicher später mehr sagst, wenn es um relaxte Spielstätten geht. In meiner Forschung hat sich auch herausgestellt, dass es extrem wichtig für eine Relaxed Performance ist, in welcher Spielstätte die Performance stattfindet. Die relaxte Erfahrung beginnt nicht erst an der Tür zum Saal. Und ab dann ist es relaxt. Aber alles davor ist nicht relaxt. So sollte man das nicht machen.

Also, relaxte Vorstellungen, die Kunst selbst, die Erfahrung, Menschen in einem Raum, die sich an dem Werk erfreuen. Aber auch die Umgebung muss entspannt sein. Inklusiv sein.

Um, wie du, Jess Thoms Arbeit aufzugreifen, also Tourettesheros sieben tolle Prinzipien einer Relaxed Performance: Ich würde sagen, sie sind die konkreteste Definition oder Methodik zu Relaxed Performances. Jess und Touretteshero sagen zwar, dass es keine Liste ist, die man Punkt für Punkt abhakt. Mit der Häuser Punkte

abhaken und sagen "Wir haben alles gemacht, fertig!" Denn jede Spielstätte ist anders. Jeder Ort hat seinen eigenen Kontext, seine eigene Funktionsweise. Eine relaxte Methodik muss nicht unbedingt einzigartig sein, aber sollte das berücksichtigen.

Es ist eine Herausforderung, denn einerseits brauchen wir ein klar definiertes Verständnis darüber, was Relaxed Performances allgemein ist. Es muss dann aber so formbar sein, dass es der Flexibilität des Publikums gerecht wird, das diese Orte besucht, die ja an sich nicht universell sind.

Da war noch etwas anderes: Die Spielstätte, genau! Und die Einstellungen dort. Und auch, wie dort über Zugänglichkeit nachgedacht wird. Vor allem bei den Personen, die dort arbeiten. Das Vorderhauspersonal ist so wichtig. Es spielt eine so wichtige Rolle für Relaxed Performance. Sie sind Schlichter*innen... Keine Schlichter*innen. Ich mache so... Ich bewege meine Hand zur Kamera hin und wieder zurück. Die Person dazwischen, die Lücke, die Brücke.

Edwin Ramirez: Vermittler*in?

Aby Watson: Ja, lass uns dieses Wort nutzen. Ja, zwischen Publikum und Kunstwerk. Sie können auch helfen, sich an dem Ort zurechtzufinden. Neurodivergente Menschen verlaufen sich schnell und sind schnell überfordert an lauten und gedrängten Orten. Natürlich sind wir verschieden. Ich will nicht grob verallgemeinern. Aber meine Forschung bestätigt klar, wie wichtig das Vorderhauspersonal ist. Auch, was die Informationen angeht, die im Voraus ans Publikum gegeben werden. All diese Dinge. Kommunikation ist sehr wichtig in der Relaxed Performance Methodik.

Es geht um mehr als die Vorstellung und darum, sie barrierefrei zu machen. Es geht um die gesamte Erfahrung: Vom Ticketkauf hin zur Planung der Anreise, der Toilettennutzung in der Pause und dem Besuch der Vorstellung. Das ganze Drum und Dran muss entspannt sein, nicht nur die Kunst.

Edwin Ramirez: Ihr habt beide erwähnt, dass es von der Spielstätte abhängt. Kelsie, kannst du uns mehr über das Battersea Arts Centre erzählen und seinen Status als erste relaxte Spielstätte? Wie genau funktioniert das dort?

Kelsie Acton: Hier Kelsie. Danke Edwin. Ich unterscheide zwischen relaxten Performances und relaxten Spielstätten. Denn in vielerlei Hinsicht sind Relaxed Performances... Wir sprachen gerade darüber – es gibt sehr viele Ausprägungen. Ich möchte, dass viele behinderte Künstler*innen diese Form weiterhin nutzen und sie

immer wieder neu gestalten. Darüber können wir noch sprechen. Viele nichtbehinderte Menschen arbeiten mit Relaxed Performances. Einiges davon ist hilfreich, anderes wiederum nicht.

Die Methodik um relaxte Spielorte aber entwickelte Jess Thom von Touretteshero, hier am Battersea Arts Centre. Die Idee hat zwei Seiten: Wir nehmen das soziale Modell von Behinderung und versuchen es, auf möglichst unser gesamtes Tun anzuwenden. Wir arbeiten also mit unserem Willkommensteam, aber auch mit dem Kommunikationsteam. Die Barrierefreiheit unserer digitalen und Social Media-Inhalte entspricht den Standards von disabled-led Organisationen. Darauf bin ich ziemlich stolz. Ich arbeite an den Programmen für Communities und junge Menschen. Also nicht nur auf Performance-Ebene. Es betrifft alles in der Organisation.

Die zweite Seite betrifft einige der Prinzipien einer Relaxed Performance, die auf alles, was wir tun, angewendet werden. Also... zum Beispiel Informationen vor der Vorstellung: Den Menschen mitzuteilen, was passieren wird oder ihnen die Option geben, auf Informationen darüber, was passieren wird, zuzugreifen. Wenn sie es möchten. Wir machen das für das Programm für junge Menschen. Wenn junge Leute eins unserer Ausbildungsprogramme besuchen wollen, können sie im Voraus schon auf Informationen darüber zugreifen, wie das Programm sein wird, was sie erwarten wird. Wir entwickeln zur Zeit Videos, Videos zum Kennenlernen des Gebäudes, der Anreise, aber auch für partizipatorische Arbeit. Ich überlege, was noch... Ich denke, das war ein gutes Beispiel.

Nina Mühlemann: Vielen Dank, Kelsie. Ich würde von euch beiden auch gern noch wissen, wie lange ihr schon mit Relaxed Performances arbeitet. Und wie ihr dazu gekommen seid.

Aby Watson: Hier spricht Aby. Ich habe Relaxed Performances durch Jess Thoms Arbeit kennengelernt. Vielleicht sollten wir... Wir könnten ein lustiges Ritual starten. Immer wenn Jess Thoms Name erwähnt wird. Lasst uns Jess' Energie in diesem Raum heraufbeschwören!

Ich kannte Relaxed Performances durch meine Promotion, bei der es um Perspektive und Position neurodivergenter Tänzer*innen geht. Dadurch wurden dann Überlegungen zum Publikum wichtig.

Ich hatte eine Performance namens "Ish". Es ging um das Dazwischensein und die Unsichtbarkeit des tanzenden Geistes/Körpers mit Dyspraxie. In der Performance und weil ich sie oft spielte, bemerkte ich, dass ich neuronormative Ansprüche hatte. Sowohl an mich als auch an das Publikum. An einer Stelle hole ich eine Person aus

dem Publikum auf die Bühne, gebe ihr schnell knappe Anweisungen und einen Zeitrahmen vor. Bei der Premiere am Southbank Centre, bat ich, ohne es zu wissen, eine Person mit Dyspraxie darum, und alles ging total schief. Da merkte ich, dass ich einen Moment geschaffen hatte, der für neurodivergente Personen nicht zugänglich war. Meine neuronormativen Ansprüche wirkten sich auf meine Vorstellung des Publikums aus. Dann dachte ich: Das ist nicht cool, ich muss das stark überarbeiten. Ich entschied, dass ich es besser machen muss.

Da dachte ich erst richtig darüber nach und begann zu forschen.

In einem relaxten Kontext habe ich zum ersten Mal mit Jess Thom gearbeitet. Ich war als Künstler*in Teil einer Zusammenarbeit zwischen dem National Theatre of Scotland und Touretteshero im Eden Court Theatre Inverness. Sie hieß "Hacks for the Future". Wir arbeiteten mit einer Gruppe junger, neurodivergenter, lernbehinderter und behinderter Menschen an einer Relaxed Performance, einer relaxten Erfahrung. Das war 2018, glaube ich, oder 2019... Was bedeutet Zeit? Ich habe keine Ahnung!

Von da an wollte ich neurodivergente Personen in den Mittelpunkt meiner Arbeit stellen. Das muss weiter gehen, als nur mich selbst zu berücksichtigen. Ich muss dieses Publikum wirklich mitdenken. Ich begann mit einem Stück, das ich "Brute" nannte. Davon habe ich mittlerweile abgesehen. Damit wollte ich... Es war eine Relaxed Performance und nutzte die genannten Methoden, Politik der offenen Tür, die Erlaubnis oder Ermunterung, natürlich zu reagieren, das Einmaleins von Relaxed Performances also. Ich dachte aber auch darüber nach, was für die*den Performer*in relaxt ist.

Ich habe in meiner Arbeit viel Zeit damit verbracht, mich auf der Bühne zu verstellen, während ich innerlich die Krise kriegte, und dachte "Was kommt jetzt? Ich weiß nicht, was jetzt kommt." "Oh mein Gott. Was kommt jetzt? Ah!" Ich erlebte das als panikerregend, tat aber so, als wäre alles gut, weil ich "gute Arbeit" leisten wollte. Und das stand meiner Verkörperung im Weg. Das ist ein Teil meiner Dissertation.

Durch diese Arbeit dachte ich darüber nach, wie ich für Publikum und Performer*in eine relaxte Situation entwickeln kann. Was dann dazu führt, dass es für alle relaxt ist. Aus dem Stück entwickelte sich die Arbeit, die ich gerade mache. Sie heißt "Back and Forth and Forth and Back". Ich kürze es durch "BFFB" ab, denn der Titel ist wirklich lang.

Es ist eine Performance, die sensorisch relaxt ist. Sie erforscht neurodivergente Sinnlichkeit und neurodivergente Freude. Sie spielt in einer alternativen Dimension.

Das spiegelt auch die Installation wieder. Sie findet innerhalb einer Installation aus Musik, Sound und Objekten statt.

Diese heißt "The Zone", die physische Manifestation des Ortes, wo mein Geist sich hinbewegt, wenn ich gedanklich abschalte. Es ist ein träumerischer, nicht-linearer Ort, wo Performances neurodivergenter Verkörperung geschehen. Wo sie entstehen. Aber die Philosophie dieses Ortes ist, dass egal, wohin dein Fokus geht, dies der richtige Ort dafür ist.

Der Gedanke, dass Solo-Performer*innen das Ein und Alles der Arbeit sind, auf die du dich konzentrieren musst, um die Arbeit zu verstehen und zu erleben, aber auch, dass du "höflich" sein musst, ist eigentlich hinfällig. Als Performer*in biete ich etwas, genauso wie dieser glänzende Stoff etwas bietet: Oh, fühlt sich gut an! Es gibt keine Hierarchie in Bezug darauf, wohin Flow und Fokus geführt werden.

Ich freue mich natürlich, wenn Leute zusehen. Ich arbeite lange an meinen Tänzen. Worauf auch immer sich die Leute konzentrieren, ist super. Solange sie für sich das meiste aus dem Kunstwerk herausholen, ist es super. Viel Spaß, hau rein!

Ich schweife ab. Ihr habt gefragt, wie ich zu Relaxed Performances kam und ich sprach über meine Arbeit, was eigentlich eine andere Frage ist.

Edwin Ramirez: Es wäre eine andere Frage gewesen, aber das ist okay!

Aby Watson: Ich könnte noch mehr über BFFB erzählen, aber ich stoppe hier mal um den Raum nicht zu lange einzunehmen. Ich übergebe an Kelsie. Und ich glaube, ich vergesse immer zu sagen: "Es spricht Aby". Tut mir leid. Ich gebe mir Mühe, daran zu denken.

Kelsie Acton: Kelsie. Es spricht Kelsie. Aby, ich freue mich, von deiner Arbeit zu hören. Da solltest du dich nicht zurückhalten.

Aber wie lange arbeite ich schon mit Relaxed Performances? Ich glaube, ich habe zuerst 2015 davon gehört. Zu dieser Zeit lebte ich in der Kälte Kanadas. Ich arbeitete für ein inklusives Crip-Tanzkollektiv namens "CRIPSiE", das ich mitbegründete. Niemand arbeitete damals am Abbau von Barrieren zu Performances. Wir wollten das nachholen und das machen. Wir hatten, glaube ich, die erste in ASL verdolmetschte Performance. Wir waren die erste Performance mit Audiodeskription, die ich kenne. Aber Audiodeskription war... Wir haben uns etwas angelesen und dann rumprobiert und unsere blinden Freund*innen gefragt, wie es war.

Ich erinnere mich, dass ich etwas über Relaxed Performances online gelesen habe und von der Idee sehr begeistert war. Also habe ich ein Seminar von Dance/USA

besucht. Es war das ableistischste, was ich mir je ansehen musste. Sorry, Dance/USA, falls ihr zuhört. Aber so war es. Keine Teilnehmer*in nutzte dort Relaxed Performances. Es sprachen nur Eltern und Lehrer*innen. Ich habe die Stunde während des Seminars echt die Zähne zusammenbeißen müssen. Aber als ich mir danach meine Notizen ansah, dachte ich: "Damit kann man was machen." Also nahmen wir die Notizen und... Wir machten etwas Eigenes draus.

Unser*e Bühnenmeister*in und Lichtdesigner*in ist ein*e unglaubliche*r Künstler*in und lebt mit großen Schmerzen. Also hatten wir weiche Sitzmöglichkeiten. Wir wussten, dass Familien mit kleinen Kindern im Publikum sind. Also haben wir Videos aus dem Saal ins Foyer übertragen. So konnten die Zweijährigen im Foyer herumrennen und die Erwachsenen konnten trotzdem die Performance verfolgen. Die Vorstellung.

Es war nicht leicht. Es gab erst viel Widerstand und Nervosität von der Theatergruppe. Denn es gibt neurodivergente Personen, die unterschiedlich mit Aufmerksamkeit umgehen. Ich glaube, alle hatten Fragen wie: "Wird das Performen für mich okay sein, wenn so viel anderes passiert?" Dann haben wir es gemacht. Und es war verdammt schön.

Wir bekamen danach eine Mail, in der stand... Den genauen Wortlaut habe ich vergessen, aber da stand: "Wir sind nie als Familie ausgegangen. Das war die erste Kulturveranstaltung, die wir als Familie besuchten. Vielen Dank." Und das war der Punkt für mich. Ich denke oft über Zugänglichkeit als dehnbar nach. Ich suche ein besseres Wort für "dehnbar". Was wir als behinderte Menschen tun, um uns einen Raum zu teilen. Denn Zusammensein ist... lebensrettend. Das Allerwichtigste. Und nach dieser Mail dachte ich: Mir fällt Konzentration schwer, aber ich will diese Ausdehnung von Zugänglichkeit jeden Tag umsetzen. Das ist meine Geschichte, wie ich zu RELAXED PERFORMANCE kam. Danke.

Edwin Ramirez: Sehr schön. Danke, dass du das geteilt hast.

Nina Mühlemann: Edwin, dein Mikro ist aus!

Edwin Ramirez: Ja. Aby, du hast bereits ein wenig darüber gesprochen. Wie hat die stetige Arbeit an Relaxed Performances und einem relaxten Ansatz allgemein deine kreative Praxis im Vergleich zu vorher geformt?

Aby Watson: Ja... Seit neurodivergente Personen bei mir im Mittelpunkt stehen, fließt das kreative Potential einfach von sich aus. Ich begeistere mich für so viel mehr und kann es auch umsetzen. Im Gegensatz zu vorher, wo ich meine Arbeit in eine bestimmte Art von Theatererlebnis zu pressen versuchte. Und mich machen diese

Potentiale wirklich an. Es ist so aufregend. Ich kann ein bisschen konkreter werden und über die Dinge reden, die ich spannend finde.

Ich spiele in BFFB oft damit, einen Raum, eine Umgebung zu schaffen, die demokratischer ist. Die Binaritäten Publikum – Performer*in, Macher*in – Zuschauer*in, still – in Bewegung. All diese rigiden Dichotomien, die in neuronormativen Tanzperformances auftreten. Ich möchte diese Spannungen offenlegen und alles fluider werden lassen. Viel fluider! Wer ist Performer*in? Wer ist Publikum? Wer macht? Wer schaut zu? Wer bewegt sich nicht? Wer ist still? Ich finde es spannend, wenn diese Dinge fluide sind. Ich finde, das wird der menschlichen Erfahrung gerechter. Und auch der menschlichen Natur. Anstatt immer nur auf dem Hintern zu sitzen... Ich finde den Gedanken eines relaxten Raums als eine demokratischere Umgebung spannend.

Da gibt es mehr Potential für Interaktion, für Dialog, für aktives Zusammensein als Menschen. Das finde ich spannend. In BFFB zum Beispiel gibt es drei verschiedene Welten innerhalb der "Zone". Erst sind wir in der ersten Welt und gleiten dann hin- und herwiegend in die anderen Welten. Ich lade alle ein, etwas zu tun, was sich gut anfühlt. Und es zu wiederholen. Und den Groove zu finden. Fast wie ein gemeinsamer Stimming-Moment. Von da "transzendieren" wir dramaturgisch in eine andere Welt. Auch in der ersten Welt tanze ich viel, aber ich lade die Leute auch aktiv ein, sich zu bewegen. Es läuft wirklich gute Musik! Es wäre, glaube ich, unfair Leute zu bitten, still in ihren Sitzen zu bleiben. Warum sollte ich besser sein? Warum sollte ich mehr Recht haben, mit der Bassline mitzugehen? Es ist wirklich sehr spannend, zumindest bei meiner Arbeit. Ich spreche nicht für alle. Ich finde die Möglichkeit spannend, mit Partizipation zu spielen. Aber nicht im Sinne von: "Ich bin im Publikum und nehme an deinem Ding teil." Stattdessen gibt es einen allumfassenden Raum, in dem wir alle an einem Ding teilhaben. Und das miteinander teilen. Natürlich ist es auch in Ordnung, das nicht zu tun. Handlungsmacht des Publikums heißt auch: "Nein" sagen, sich hinsetzen und nur zuschauen. Nicht gezwungen werden mitzumachen. Es heißt den eigenen Fokus frei wandern lassen zu können. Es heißt auch, "Nein" sagen und sich hinsetzen. Tun, was sich sicher und angenehm anfühlt. Nur um es zu verdeutlichen: Niemand wird zum Tanzen gezwungen. Aber es gibt die Option.

Ich sprach auch darüber, den Hauptfokus von den Künstler*innen zu nehmen. Und andere Akteur*innen im Raum ins Spiel zu bringen: Der Sound, die sensorischen Aspekte des Raums. Der Sound und die Texturen und andere Dinge im Raum. Nicht nur der*die Performer*in. Das interessiert mich sehr.

Was wollte ich dazu noch sagen? Es gibt zwei verschiedene Ansätze zu Relaxed Performances. Ich weiß nicht mehr, wie du es formuliert hattest, Kelsie... Eine relaxte Abwandlung einer bereits bestehenden Produktion zeigen. So etwas wie eine sensorische oder relaxte Adaption, wie du sagtest. Das ist die eine Seite. Da wurde diskutiert, dass es eine Verwässerung einer Produktion ist, die ursprünglich für ein neuronormatives Publikum gemacht wurde. Relaxed Performances lassen sich aber auch von Anfang an mitdenken. Mich begeistert es, Relaxed Performances von Grund auf zu kreieren. Denn so hast du die Möglichkeit die Methodik zu nutzen und deine Arbeit ausgehend davon zu entwickeln. Ich finde das so spannend.

Es gibt in BFFB einen Moment, wo ich alle bitte, sich Gehörschutz aufzusetzen. Ich mache oft... Es gibt diesen Moment, wo ich lauter spreche. Ich schreie auch ziemlich laut. Ich finde es schön, wie in dem Moment Gehörschutz für alle normalisiert wird. Aber es bietet auch eine einzigartige klangliche Erfahrung... Es ist anders... ja.

Es gibt also all die Potentiale innerhalb der Kunst selbst, wenn du Strategien der Barrierefreiheit anwendest. Sei es auf Dramaturgie oder Choreografie. Da kann so viel passieren! Es verblüfft mich, dass Leute das nicht viel häufiger machen. Es gibt so viele Möglichkeiten, eure Arbeit noch spannender zu machen! Nach meinem Geschmack zumindest. Wollte ich noch etwas anderes sagen? Wahrscheinlich, aber ich habe es vergessen. Vielleicht kommt es wieder. Dann versuche ich, es mir für später zu merken.

Kelsie Acton: Kelsie hier. Darf ich kurz an etwas anknüpfen?

Ich liebe Arbeiten, die Barrierefreiheit direkt mitdenken. Mir ist so viel daran gelegen. Mit meinem Umzug nach London hoffte ich, davon mehr zu bekommen. Bei meiner Arbeit mit BAC habe ich gelernt, und viele Künstler*innen, mit denen ich arbeite, würden nicht zustimmen, aber ich sage es trotzdem: Ich bin überzeugt, dass es eine Version unserer künstlerischen Arbeit gibt, bei der wir nicht nach der einen, der perfekten Version suchen. Wo wir die Möglichkeiten sehen und sagen können: Wenn ich BSL integrieren möchte, die Britische oder eine andere Gebärdensprache, dann wird sich die Vorstellung daran anpassen. Und das ist dann die perfekte Version der Vorstellung. Und wenn ich sensorische Anpassungen vornehme für Menschen, die sensibel auf sensorische Reize reagieren, dann ist, wie die Vorstellung aussieht und sich anfühlt, auch perfekt.

Aby sprach vorhin über Demokratie. Und ich glaube, dass ich das Publikum empowern möchte... aber Demokratie bedeutet oft mehr als eine Antwort. Sie

bedeutet viele Antworten mit vielen eingebauten "unds". Ende des begeisterten Wortschwalls.

Aby Watson: Aby hier. Ich wollte nur sagen, Kelsie, ich stimme dir voll und ganz zu. Wir jubeln zu 100% für dasselbe Team. Viele Methoden für Relaxed Performances sind Angebote, Dinge, die dem Publikum gegeben werden können, damit es seine eigenen Entscheidungen treffen kann. Zum Beispiel kannst du... Wie war noch der Name... So sensorische...

Kelsie Acton: Sensorische Kits?

Aby Watson: So ein Kit könnte eine Sonnenbrille, einen Fächer und Gehörschutz enthalten. So kann das Publikum, falls es nötig ist, selbst entscheiden, das Kit zu nutzen, um das Erlebnis für sie barrierefreier zu machen. Es geht nicht darum, dass alle mit Fächern wedeln. Es geht darum, dem Publikum das bestmögliche Erlebnis zu ermöglichen. Das lässt sich auf so vieles anwenden.

Es geht um individuelle Handlungsmacht und darum, sie innerhalb der Regeln eines bestimmten Raums nutzen zu können. Was wiederum Flexibilität zulässt. Das kann nicht nur zu mehr kreativem Potential führen, sondern auch zugänglicher und generell inklusiver sein. Nicht nur in Bezug auf Neurodivergenz, sondern für alle Behinderungen! Das sind Dinge, von denen alle Menschen, die an Kultur und Kunst teilhaben wollen, profitieren können. Durch individuelle Wahlmöglichkeiten und Handlungsmacht lassen sich fließend, wenn man so will, starre neuronormative Ansprüche hinterfragen. Das ist wichtig für mich.

Nina Mühlemann: Vielen Dank an euch beide. Ich könnte euch den ganzen Tag zuhören. Vor allem, wenn ihr über Zugänglichkeit herumphilosophiert und über das kreative Potential von Barrierefreiheit. Das macht mich wirklich froh. Das ist so spannend.

Edwin Ramirez: Edwin hier. Mein Gehirn ist auch gerade in anderen Galaxien unterwegs.

Nina Mühlemann: Aby, als wir Kelsie sagten, dass du bei dem Panel dabei bist, sagte Kelsie: "Ich hoffe, dass Aby über Abys Forschung spricht." Vor allem deine Forschung mit Birds of Paradise Theatre Company. Könntest du uns darüber ein bisschen erzählen? Kelsie hatte da anscheinend schon Insiderwissen. Wir wollen es auch wissen!

Aby Watson: Hier spricht Aby. Ich bin eine von drei Forscher*innen in einem von der Birds of Paradise Theatre Company beauftragten Projekt. Das ist ein crip-led

Theaterkollektiv in Glasgow in Schottland. Das Forschungsprojekt heißt "House Lights Up". Es geht um... Oje, wie war der vollständige Titel? Was ist Gedächtnis? Ah! Aby sucht wie wild in Notizen und Papierstapeln! Forschung zu neurodivergentem Publikum für Relaxed Performances in Schottland. Es geht also nicht um UK, sondern um die Nation Schottland. Das Projekt hat zwei Aspekte.

Auf der einen Seite geht es um den Kulturbetrieb. Darum kümmert sich die Forscherin Zoe Halliday. Sie spricht mit Spielstätten und Fokusgruppen und findet heraus, was sie über RELAXED PERFORMANCE wissen. Ob sie etwas wissen! Welche Barrieren sehen und erleben sie als Spielstätten in Schottland? Was für Barrieren sind es? Was machen sie? All das.

Auf der anderen Seite geht es ums Publikum. Ich und mein*e Kolleg*in Thom Scullion teilen uns diese Arbeit. Was für neurodivergente Personen sehr nützlich ist. Wir teilen uns die Arbeit zum Aspekt Publikum. Es sind neurodivergente und lernbehinderte Fokusgruppen, die hoffentlich eine Relaxed Performance in Schottland erlebt haben, mit denen wir über die Erfahrungen damit sprechen können. Und darüber, wie es besser werden kann.

Das Projekt hat vier zentrale Ziele. Erstens: Ein besseres Verständnis über Relaxed Performances entwickeln. Da geht es um das, was wir am Anfang sagten: Was sind Relaxed Performances und was verstehen Spielstätten darunter? Ein besseres Verständnis dafür zu entwickeln, ist ein wichtiges Ziel.

Zweitens: Das Angebot von Relaxed Performances in Schottland evaluieren. Aber ohne das Fringe! Das Edinburgh Fringe Festival ist wichtig im schottischen Kulturkalender. Aber die Produktionen kommen nach Schottland, sie sind nicht von hier. Es gibt noch weitere ethische Überlegungen zu RELAXED PERFORMANCE beim Fringe, über die sich promovieren ließe. Wir sparen das Thema also lieber aus.

Wir wollen auch erforschen, wie Spielstätten neurodivergentes Publikum besser inkludieren und unterstützen können.

Zuletzt erhoffen wir uns, die Umsetzung der aus unseren Ergebnissen abgeleiteten Handlungsempfehlungen anzuregen.

Das sind die Hauptziele. Ein Ziel für die Zukunft, über das wir nachgedacht haben, ist es, eine Art Charta aus dieser Forschung zu entwickeln. Oder eine Art national anerkannter Vereinbarung darüber, was wir unter Relaxed Performances verstehen. Was wir von Spielstätten wollen, was ein neurodivergentes und lernbehindertes Publikum braucht. Das alles zu bündeln, damit es eine Wissensbasis wird, die Leute... Ich mache eine Wellenbewegung mit meinen Händen... anwenden? Ja. Anwenden

und teilen können. In der kulturellen Praxis in diesem Bereich. Das ist unsere Forschung, kurz zusammengefasst. Durch das Forschungsprojekt haben wir mit dem... Kelsie, bitte sag mir, falls ich den falschen Titel sage, "International Network of Relaxed Performance" zusammengearbeitet.

Kelsie Acton: Kelsie hier. "International Relaxed Performance Network". Nah dran. Nur ein beliebiges Wort. Nur die Reihenfolge.

Aby Watson: Wir repräsentierten dort unsere Forschung. Zoe, Thom und ich repräsentieren das Projekt, aber auch Schottland in diesem internationalen Dialog. Das war sehr erhellend. Unsere Forschung mit Birds of Paradise stützt sich sehr stark auf einen Bericht von Cinémas de France. Sorry an alle Frankophonen für meine schlechte Aussprache. Auch der British Council in Kanada verfasste einen Bericht, dessen Titel Kelsie sicher besser in Erinnerung hat als ich. Diese beiden Berichte waren für uns grundlegend. Wo auch immer ihr seid: Falls ihr nach konkreten Aussagen sucht, auf die ihr euch beziehen könnt,empfehle ich diese beiden Berichte. Sie hatten viel Einfluss auf unsere Forschung.

Ich kann noch ein wenig über die Ergebnisse sagen. Sie sind noch nicht veröffentlicht, daher kann ich nicht viel sagen. Aber ein paar Sachen hier und da kann ich schon sagen. Aber ich warte damit kurz. Vielleicht gibt es Fragen oder Kelsie möchte ergänzen.

Edwin Ramirez: Leider nähern wir uns der Pause. Die Zeit verfliegt. Wir machen eine 15-minütige Pause und sind dann zurück mit Fragen aus dem Publikum. Wir haben auch eine Menge Arbeiten, die wir mit euch besprechen wollen. Wir freuen uns darauf!

Nina Mühlemann: Nina hier. Aby, vielleicht kannst du kurz abschließen, was du sagen wolltest. Und wir hören danach auf. Oder wir machen nach der Pause weiter? Du wolltest gerade auf etwas hinaus...

Aby Watson: Hier ist Aby. Ich glaube, ich wollte einige zentrale Ergebnisse vorstellen. Aber da ist vor allem eins. Schaffe ich das noch vor der Pause?

Edwin Ramirez: Klar.

Aby Watson: Wenn eine Person eine Pause braucht... Ich habe zwar nicht die Autorität das zu sagen, aber wenn ihr das Bedürfnis habt, macht eine Pause.

Teil der Forschung zum Kulturbetrieb war es, dass Zoe die Guides von Access Scottish Theatre analysierte und evaluierte. Dort sind alle Arten barrierefreier Vorstellungen in Schottland gebündelt. Sie hat sich die Zahlen angeschaut und ein

paar sexy Diagramme draus gemacht. Deren Schlussfolgerungen gar nicht so sexy sind. Und die Ergebnisse... nicht so sexy.

Eine Sache, die wir herausfanden, war, dass der Großteil an relaxten Produktionen, für neurodivergentes und lernbehindertes Publikum, in der gesamten Nation Schottland, Pantomime sind. Falls ihr das nicht wisst, es ist ein sehr britisches Phänomen. Eine Familienangelegenheit quasi. Viele "Er ist hinter dir"-Rufe. Historisch gewachsen. Ja. Das ist scheinbar meine Definition von Pantomime. Pantomime, Vorstellungen für Familien und für Kinder. Fällt euch was auf?

Wir haben herausgefunden, dass diese Arten von Vorstellungen am häufigsten vorkommen. Pantomime aber, die einen Großteil der Relaxed Performances ausmacht, findet nur in der Weihnachtszeit statt. Die meisten Relaxed Performances sind also für Familien oder Kinder zu einer bestimmten Zeit im Jahr, die mit einem kulturellen Feiertag verbunden sind. Ich muss nicht sagen, wie furchtbar das ist.

Wenn wir darüber nachdenken dass es eigentlich heißt, gesetzlich und politisch, dass alle ein Recht auf Kultur haben. Die Daten sagen, dass sie einmal im Jahr das Recht auf Kultur haben. Das ist schockierend und unerträglich. Und es ist unglaublich traurig.

Wir haben auch herausgefunden, dass es zwar Stücke und Musicals gibt, wenn auch viel weniger, aber es gibt einige relaxte Arbeiten in Schottland in verschiedenen Genres. Aber es fehlt erheblich an Arbeiten für neurodivergente und lernbehinderte Erwachsene. Es gibt viel für Kinder und Familien, aber nicht für Erwachsene. Das sagt etwas über den Status von Kultur und Barrierefreiheit in der schottischen Nation. Es ist aber auch anderswo die Tendenz.

Es sagt auch etwas darüber aus, wie wir das Publikum wertschätzen, wie wir neurodivergente und lernbehinderte Menschen wertschätzen. Und ihr Menschenrecht auf Kultur und Inklusion. Denn dieses Publikum wird vollkommen ignoriert. So sehr, dass sie eventuell gar nicht wissen, dass der Besuch einer Performance oder eines kulturellen Ortes oder kreative Arbeit überhaupt etwas ist, was sie machen können. Wie sollen sie das wissen?

Eine andere Sache, die wir herausfanden als Reaktion auf unseren Aufruf: "Wenn ihr zu diesen Gruppen gehört und eine Relaxed Performance in Schottland gesehen habt, meldet euch bei uns, wir würden gern von euch hören!" Es war schwer. Es war schwer genug, Menschen zu finden, die sagen konnten: "Ich habe eine Relaxed Performance gesehen, hier ist mein konstruktives Feedback." Viele Teilnehmer*innen in den Fokusgruppen fragten: "Was ist eine Relaxed Performance? Das wäre nützlich

für mich. Ich bin mit Barrieren konfrontiert, wenn ich eine Performance besuche." Statt über eine Relaxed Performance, sprachen sie über ihre Erlebnisse mit Kultur. Das zeigte mir, dass diesen Gruppen gar nicht klar war, was ihnen zusteht, weil sie keinen Zugang hatten. Das ist einfach unglaublich traurig. Ich hätte vielleicht ein bisschen neutraler sein sollen. Forscher*innen sollten neutral bleiben. Aber hey, ich bin auch Teil der Community. Ich fühle meine Gefühle, und zwar sehr stark.

Das waren unsere zentralen Ergebnisse. Wir setzen Spielstätten davon in Kenntnis und Institutionen im kulturellen Sektor mit Einfluss in Schottland, und hoffen, dass sie uns zuhören und sich auf unsere Seite schlagen. Und dass sie nicht nur antworten: "Ach, alles ist einfach so teuer. Wie sollen wir das machen, wenn kein Geld da ist?" Du sagtest es schon, Kelsie. Ach nein, du sprachst über finanzielle Barrieren für neurodivergente Menschen. Aber es geht auch um die Finanzen innerhalb des Kulturbereichs. Sie sagen, es ist eine Barriere für sie. Aus unserer Forschung wissen wir, dass sie lernen und inklusiver sein wollen. Aber das braucht Zeit und Zeit ist Geld. "Und wir haben in zwei Stunden Vorstellung, also..." Wisst ihr? Naja.Das war eine kleine Tirade. Lasst uns Pause machen, ich brauche sie.

Nina Mühlemann: Danke! Nina hier. Wir machen eine Pause. Wir treffen uns wieder in 15 Minuten. Dann könnt ihr Fragen stellen, wenn ihr möchtet. Danke! Alle scheinen einverstanden.

Nina Mühlemann: Hi, hier spricht Nina. Danke an euch beide. Es war wirklich spannend. Ich glaube, ich habe sehr viel gelernt und mein Gehirn... Kennt ihr das Emoji, dem der Kopf explodiert? Das. Aber auf positive Art. Aby macht eine schöne Geste.

Wir haben eine Frage aus dem Publikum, von Noa. Noa, sollen wir die Frage vorlesen oder willst du das machen? Was ist dir lieber?

Noa Winter: Ich lese sie gern vor, bin aber froh, sie aufgeschrieben zu haben.

Nina Mühlemann: Sie ist sehr lang.

Noa Winter: Ja. Hier spricht Noa. Erst einmal vielen Dank euch beiden. Ich zapple hier vor Aufregung. Da bleibt die Kamera aus. Meine Frage bezieht sich auf das nicht so freudige, aber wichtige Thema des Umgangs mit Beschwerden. Du hast es vorhin erwähnt, Kelsie. Könnt ihr Vorgehensweisen zum Umgang mit Beschwerden empfehlen? Aus meiner Perspektive gibt es in Deutschland und der Schweiz eine furchtbare Kultur des Umgangs mit Beschwerden im Allgemeinen. Könnt ihr Einblick geben, was bei euch funktioniert hat? Was hat überhaupt nicht funktioniert? Das wäre sehr hilfreich, danke.

Kelsie Acton: Hier ist Kelsie. Vielleicht kann ich anfangen? Ich hatte bisher in zwei Räumen mit Beschwerden zu tun. In dem einen war es viel leichter als in dem anderen. In Räumen, die disabled-led sind, wo wir gemeinsame Werte teilen, können wir einfacher erkennen, wenn... Nun ja, egal, was es für eine Beschwerde ist, du hörst zu. Wenigstens ein bisschen. Manchmal ist es nicht gesund, zu lange zuzuhören. Aber wenigstens ein bisschen. In Räumen, die disabled-led sind, wo wir gemeinsame Werte teilen, ist es einfach, herauszufinden, was konstruktiv ist und wo wir lernen müssen und was... naja, was einfach Schock und Wut nichtbehinderter Menschen ist, die damit konfrontiert werden, dass Menschen anders sind als sie.

Ich bin bei meiner Arbeit oft die Verbindungsstelle zwischen Disability Culture und nichtbehinderten Räumen. Das ist auch meine Aufgabe am BAC. Damit habe ich, ehrlich gesagt, oft zu kämpfen. Denn ich glaube, wenn Menschen sehen... Wenn du als Teil einer Organisation Menschen mit Unbehagen siehst, willst du das Unbehagen aus dem Weg räumen. Aber wenn die Person Unbehagen mit der Existenz von Barrierefreiheitsbedarfen hat, dann ist das nichts, was aus dem Weg geräumt werden kann oder sollte. Das sollte dem Willkommensteam vielleicht mitgegeben werden. Dass es gute Erste-Hilfe-Skills hat in Bezug auf mentale Gesundheit. Dass sie geduldig zuhören, wie sich andere Menschen fühlen. Dass sie es erklären können, was eine Relaxed Performance ist und warum sie gemacht wird. Dieses gemeinsame Verständnis und die Fähigkeit zu erkennen, wenn wir etwas wirklich nicht gut gemacht haben, und wann es Ableismus ist... Das fehlt oft in nichtbehinderten oder inklusiven Räumen. Das macht es sehr schwer. Ich habe also keine gute Antwort, tut mir leid.

Aby Watson: Hier spricht Aby. Ich habe keine Erfahrung im Umgang mit Beschwerden. Aber ich habe Erfahrung damit, über den Umgang damit nachzudenken. Für den Fall, dass sie auftreten. Ich habe ein Festival ko-kuratiert. Es hieß "Neurostages". Mit der tollen Forscherin und Künstlerin Rachel Clive vom Neurodiverse Performance Netzwerk in Schottland und in Zusammenarbeit mit dem schottischen Nationaltheater, dem Royal Conservatoire of Scotland und der schottischen Autismus-Gesellschaft. Es war ein hybrides Festival. Es war uns wichtig, dass es ein relaxtes Festival ist. Es war also nicht ich, die eine relaxte Arbeit zeigte. Das ganze Festival war relaxt. Im Rahmen dessen haben wir über Beschwerden nachgedacht. Wir haben die sieben Prinzipien von Jess Thom befolgt, und zwar haargenau.

Da es von neurodivergenten Personen geleitet wurde, und neurodivergente Erfahrung in den Fokus rückte, war es klar, dass dies das Thema war. Dass dies die

Identität der Künstler*innen war und auch die Identität bzw. Perspektive vieler Zuschauer*innen. Es gab also keine Beschwerden. Keine Beschwerden!

Aber eines finde ich wichtig. Das ist in diesem Gespräch schon klar geworden. Wenn es um die Kommunikation der Spielstätte mit den Gästen geht. Diese Kommunikation muss so klar sein, dass die Gäste wissen, was sie zustimmen. Sie stimmen zu, einen Raum zu betreten, in dem Dinge passieren können, in dem es bestimmte Regeln gibt. Nein, das Wort "Regeln" mag ich nicht. Bestimmte Vereinbarungen, auf die wir uns einigen. Wir haben darüber nachgedacht und hatten eine Vorgehensweise klar vor Augen.

Zunächst einmal, wie gesagt, im Kontext eines kleineren Festivals... Kleiner vielleicht nicht, aber naja... Für dieses Festival dachten wir darüber nach... Also wir dachten: "Was würden wir machen?" Zuerst würden wir mit den neurodivergenten Menschen reden, die die Veranstaltung organisieren. Aber nicht um neurodivergenten Personen die ganze Arbeit aufzuhalsen. Es schien aber wichtig, in einem Gespräch noch einmal zu betonen: "Das sind die Ziele des Festivals. Das ist das anvisierte Publikum. Wir freuen uns, dass ihr hier seid." Und zu betonen, dass es ein relaxtes Festival ist. "Ein relaxtes Festival bedeutet folgendes. Sind das Dinge, die euch Probleme bereiten?" Das wollten wir durch Gespräche herausfinden, die von neurodivergenten Personen geführt wurden.

Dann überlegten wir, was wäre, wenn es nicht klappt. Wenn wir auf rationaler Ebene keine Verständigung erreichen. Zum Beispiel: "Verstehe. Das ist nichts für mich. Ich gehe lieber." Oder: "Jetzt, da ihr es gesagt habt, fühle ich mich viel besser." Das gab es bei uns nicht.

Wenn das nicht funktioniert hätte und die Beschwerde bliebe, wie du schon sagtest, Kelsie, wenn sie sich auf neuronormativen Ableismus gründete, nach dem Motto: "Ich wurde von den Ticks der Person neben mir gestört", dann würden wir uns an die höheren Ebenen wenden. Etwa: "National Theatre of Scotland, könnten Sie hier bitte mediieren?" Wir haben bereits versucht, den neurodivergenten Festivalfokus zu kommunizieren und eine gemeinsame Ebene zu finden und wir haben keine gemeinsame Ebene gefunden, die sich sicher anfühlt." Dann hätten sie übernommen und ihr Beschwerdemanagement ausgeführt. Sie haben ihre Abläufe auf das Festival angewendet. Sie hätten also ihr Beschwerdemanagement durchgeführt. Sie hätten an diesem Punkt übernommen.

Aber die Grundregel war, wenn sich die Beschwerde auf die relaxte Form des Festival bezieht, dann würden wir klar sagen: "Vielleicht ist dieses Erlebnis nicht das Richtige

für Sie als Zuschauer*in. Und nicht das, was Sie in diesem Raum wollen." Das macht mir gar nichts aus. Viele neurodivergente Menschen hören so etwas täglich. Ich bin sicher, es gibt neuronormative Menschen, die den neuronormativen Erwartungen an ein Publikum entsprechen. Sie können dieses eine Mal gehen. Es ist okay, dass sie nicht inkludiert werden, wenn sie es nicht wollen. Wisst ihr? Das ist meine Erfahrung damit. Die sehr begrenzt ist.

Ich entwickele BFFB gerade noch und es hat noch Premiere und Gastspiele. Wenn es soweit ist, wird es definitiv... Ich will nicht schon davon ausgehen, aber es gibt sicher noch viele Gelegenheiten, meine Erfahrung im Umgang mit Beschwerden auszubauen. Formulieren wir es einmal so. Es ist eben auch sehr neu für Menschen. Es ist neu und daher fällt es leicht, es zu hinterfragen. Es fordert heraus! Okay, jetzt wiederhole ich mich nur. Das war's.

Nina Mühlemann: Vielen Dank euch beiden. Ich fand die praktischen Dinge toll, die ihr mit uns geteilt habt. Es ist so praktisch! Deine positive Perspektive auf Beschwerden ist toll, Aby. Ich wünschte, ich wäre das. Vielleicht werde ich es sein.

Gibt es weitere Fragen von Zuhörer*innen, die nicht Edwin oder ich sind? Jetzt wäre der Moment! Falls nicht, haben wir noch ein paar Fragen. Vielleicht eine letzte Frage. Wir sprechen schon eine Weile und ich habe Hunger.

Edwin Ramirez: Darf ich ganz egoistisch eine von unseren nehmen?

Nina Mühlemann: Genau das wollte ich dich gerade fragen, Edwin. Du entscheidest. Egal welche.

Edwin Ramirez: Die zwei letzten sind sehr gut. Ich würde gern beide Antworten wissen. Aber ich suche nur eine heraus.

Nina Mühlemann: Nimm eine.

Edwin Ramirez: Habt ihr Tipps oder Vorschläge für Künstler*innen und Spielstätten, die mit Relaxed Performances gerade erst anfangen? Oder anfangen möchten, aber nicht genau wissen wie? Was wären eure Tipps?

Aby Watson: Hier spricht Aby. Danke, Kelsie. Mein erster Gedanke betrifft... Hier spricht Aby. Sagte ich das schon? Hey, ich bin es!

Mein erster Gedanke betrifft sowohl Künstler*innen als auch Spielstätten. Wenn ihr euch ernsthaft mit dem Thema auseinandersetzen wollt, weil ihr Relaxed Performances entweder erarbeitet oder zeigt, solltet ihr zuerst darüber nachdenken und analysieren, wen ihr im Publikum erwartet. Ob unbewusst oder unterbewusst und ohne es genau zu benennen, aber wen erwartet ihr in dem Raum?

Ihr denkt vielleicht: "Naja, alle, die kommen!" Das wirft die Frage auf: Wer weiß denn, dass er*sie kommen kann? Das kann weitere Fragen aufwerfen. Künstler*innen, die solche Arbeiten schaffen, oder Spielstätten, die Arbeiten zeigen und damit Publikum anziehen wollen wird damit gezeigt, welche Barrieren sie schaffen. Ob in der Arbeit oder in der Spielstätte, wen erwartest du in dem Raum, ohne es je so benannt zu haben. Für wen ist eure Webseite. Mit wem interagiert ihr als Spielstätte, egal in welcher Weise. Also denkt darüber nach, wen ihr im Publikum erwartet.

Und nehmt das zum Anlass kritisch zu hinterfragen, wo sich Neuronormativität in euren Abläufen und in eurer Arbeit allgemein zeigt. Ich lasse das mal so stehen. Ich übergebe an Kelsie und sage danach vielleicht noch etwas.

Kelsie Acton: Danke Aby. Es spricht Kelsie. Ich habe ein paar Gedanken dazu. Vielleicht sind sie derselbe Gedanke. Ich würde im Scherz sagen: Findet behinderte Freund*innen. Erstens sind wir cool. Damit meine ich... Wo sind die Beziehungen mit behinderten Menschen in eurem Leben? Wo sind die Beziehungen zur Disability Culture? Denn das ist nicht immer deckungsgleich. Es ist einfacher, wenn du behinderte Menschen in deinem Leben hast. Die dich mögen und dir gern Ratschläge geben. Daraus folgt, dass du als Spielstätte behinderte Künstler*innen programmieren musst. Oder Arbeiten kreiieren, die in der Disability Culture verankert sind, mit integrierter Barrierefreiheit.

Ich werde das schlecht wiedergeben, aber John Lee Clark ist ein unglaublicher taubblinder Dichter. Er schrieb vor einem Jahr den Essay "Against Access". Darin fragt er: Warum werden wir immer in eure Welt eingeladen? Warum seid ihr nie zu uns eingeladen? Wenn man darüber nachdenkt, gibt es nicht so viele Gründe dafür.

Es gibt viele Gründe, warum die meisten behinderten Menschen nichtbehinderte Menschen in ihrem Leben haben. Aber es ist irgendwie arrogant zu erwarten, dass behinderte Menschen sich für Kultur von Nichtbehinderten begeistert. Plant also Disability Culture in euren Programmen ein. So bekommst du Publikum und Feedback. So kannst du wachsen. Ende der Tirade. Damit übergebe ich wieder an Aby.

Aby Watson: Hier spricht Aby. Das ist ein wirklich guter Punkt. Was ich noch teilen wollte, schließt direkt daran an. Ich wollte empfehlen, mit lernbehinderten und neurodivergenten Communities in Kontakt zu treten. Das ähnelt dem, was du über behinderte Freund*innen sagtest.

Aber in Bezug auf Spielstätten und Künstler*innen. Als ich an BFFB arbeitete, versammelte ich im Prozess eine Gruppe solcher Menschen und hielt nach der Hälfte

der Zeit einen Workshop. Ich wollte ein paar Ideen ausprobieren und spielen, aber auch einen Raum schaffen, wo ich lerne, wie sich diese Umgebung anfühlt. Wisst ihr, was ich meine? Direkter Kontakt und Austausch mit den Menschen, die du erreichen willst, ist wichtig. Ihnen zuzuhören und ihre Erfahrungen zu spüren. Und dein Handeln auf ihre Wünsche und Bedürfnisse auszurichten. Und darauf, was sie dir geben. Das ist eine Erweiterung dessen, was du sagtest, Kelsie. Als ob ich das Rad neu erfinde... Aber ja, das war es, was ich noch sagen wollte.

Nina Mühlemann: Vielen Dank euch beiden. Kelsie, ich musste laut lachen, als du sagtest: "Findet behinderte Freund*innen!" Das war großartig.

Hier spricht Nina. Vielen Dank an euch beide. Es war toll.

Kelsie Acton: Kelsie hier. Danke! Es hat mich so gefreut. Ich habe so viel von euch gelernt.

Aby Watson: Aby hier. Das kann ich nur bestätigen. Es war eine Freude, in diesem Raum darüber zu sprechen, behinderte Freund*innen zu finden und Zeit in crip-centered Räumen zu verbringen. Das Gespräch war eine große Freude. Ich hatte das Gefühl, ich konnte ich selbst und sicher sein. All die guten Dinge, die ich mit anderen Crips fühle, also: Vielen Dank an euch!

Edwin Ramirez: Hier spricht Edwin. Ich möchte bekräftigen, was gesagt wurde. Ich liebe es, über Zugang zu philosophieren und darüber nachzudenken. Zu realisieren, wie viel coole Sachen wir machen können. Wie viele coole Leute wir kennenlernen können und die Magie, die passiert, wenn wir zusammensitzen und reden. Vielen lieben Dank an euch beide!